Teresa Parodi presentó Hasta que amanezca reafirmando compromiso, belleza y sensibilidad como ingredientes esenciales de su obra. Música En tiempos distópicos donde el individualismo parece ser norma, encontrarnos sigue siendo sanador. Y si el encuentro lo propone una compositora imprescindible de nuestra música popular, acudimos presurosos en busca de su mirada de este tiempo, de su memoria y relato, de canciones que nos conforman como pueblo y de nuevas composiciones que reafirman un camino de coherencia y compromiso. La cita fue en La Trastienda, a sala llena y con admirados y queridos artistas entre el público que quisieron acompañar este nuevo lanzamiento de Parodi. Allí estaban Víctor Heredia, Pedro Aznar, Marilina Ross, Marian Farías Gómez, Magdalena León, por nombrar algunos. Con ese marco se abre el telón y arranca ella —nuestra cantora— entonando El otro País, para afirmar que está vivo, dispuesto a jugarse por los demás, soltando su esperanza al viento. Conmovedor inicio, primera ovación que humedece los ojos de Teresa y de muchos de los que, con este inicio, nos preparamos para una noche de profunda emoción. Le siguen temas como Musicagua y Paisaje, junto a la brasileña Vanessa de Maria y con los músicos de su banda: Emilia Parodi al piano, Ezequiel Parodi en guitarra, Lautaro Parodi en bajo y Facundo Guevara en la percusión. El segmento de temas termina con “Si se calla el cantor”, nada menos. Y resuena en su voz la poesía e intención de Horacio Guaraní: ‘Que ha de ser de la vida si el que canta / no levanta su voz en las tribunas / por el que sufre, por el que no hay / ninguna razón que lo condene a andar sin manta’ Llega el momento de transitar las canciones de Hasta que amanezca, el último lanzamiento de Teresa Parodi. Un recorrido por los once temas en el orden en que están en el disco nos permite construir una historia en la que no falta emoción, belleza, dolor, denuncia y esperanza. Un diálogo de tiempos y territorios: el presente que nos golpea y que bien sabe Parodi que sabremos construir algo mejor, porque lo hemos hecho, porque hay una memoria colectiva. Así, nuevas composiciones conviven con canciones que tienen su historia y que se resignifican desde los arreglos y nuevas miradas, tarea realizada junto a Emilia Parodi y la dirección musical de Matías Cella —quien también se sumó en guitarra eléctrica durante el concierto junto al violonchelo de Marcela Vicente y el violín de Nicolás Constanzo. Suena “Me veo en vos”, con la participación de la rapera Shitstem. Un diálogo entre generaciones que es búsqueda de Teresa, ese abrir puertas, voltear murallas y purismos en la música popular. Le sigue “Lento” que, con aire de cumbia, cuenta el desarraigo de quien llega a Buenos Aires desde el territorio que mal llamamos “interior”. Un tema que canta a los migrantes internos, a ella misma, y lo hace junto a su nieto Octavio Parodi, OKTO. “Ella salió a caminar por las calles ajenas / de la ciudad sin piedad que no habla de ella / Se vio de pronto en un bar, / olvidando sus penas / Nunca podrá regresar / porque nadie la espera” Temas nuevos que conversan con composiciones como “La Negra Ulogia”, que en el disco fue grabada junto a Susana Baca. Teresa se toma el tiempo y la emoción para contar la historia mínima de cada canción, confesando que aquella mulata que en Corrientes cantaba en el río mientras lavaba la ropa, fue quizás su primera maestra cuando era niña. Y en esa trama de recuerdos Parodi nos lleva a Misiones, al sur del Moconá, a sus 19 años como maestra rural. Cuenta del trabajo de los niños en la recolección de semillas de tung, colaborando con los padres para recibir mejor paga y ella, maestra, preocupada porque no falten a la escuela, por llevarles las tareas a las casas. Recuerda y no puede evitar las lágrimas. La emoción crece cuando invita al escenario para este tema a Maggie Cullen. De Misiones al Sur con “La belleza es soledad”, una composición en homenaje a la inmensa belleza de los paisajes de nuestra Patagonia y a la nación Mapuche. El recorrido que propone Parodi nos trae el “Chamamé cantor” porque, como bien dice, no importa lo que esté componiendo, siempre aparece un chamamé, está esperando en la guitarra y tengo que tocarlo. Le sigue una profunda y personal versión de Yo vengo a ofrecer mi corazón de Fito Páez que es recibida con un silencio conmovedor y que explota en ovación al terminar. La imagen de un cartonero que cada día pasaba cerca de su casa tirando del carro con su hijo en hombros, de la mano, en el carro… siempre jugando, cantando, dio nacimiento a “Siempre a la misma hora”, un tema que describe la dureza de este tiempo y la esperanza de que desde abajo vamos a cambiar la historia. En este tema vuelve OKTO al escenario para no dejar de cruzar generaciones. “Siempre a la misma hora, al atardecer / Te veo tirando el carro justo al volver / Cruzando a mi costado, con un gurí en los brazos / Vas apurando el paso una y otra vez / Siempre a la misma hora, al atardecer / Te imagino intentando vivir con fe / Soñando que algún día te vaya bien / Mucho me cuesta verte, correr con esa suerte / Ante la indiferencia que no te ve / Siempre a la misma hora, al atardecer” “Peregrino del bien” es un homenaje a quienes militan la vida en territorios golpeados. Homenaje a todos y a uno en particular, el Padre Francisco “Paco” Olivera, sacerdote comprometido con las causas de los más vulnerables. Fue conmovedor escuchar el tema con el Padre Paco en la sala. Llegando al final del recorrido del disco, suena “Sin miedo”, un tema que arenga a seguir peleando “a puro corazón, coraje y sueño”. Las voces de Teresa Parodi junto a Julia Zenko

Música La compositora, guitarrista y cantante cubana-española Liuba María Hevia iniciará el próximo lunes 25 en la ciudad bonaerense de Quilmes su sexta visita a la Argentina en el marco de un tour sudamericano en el que, además, debutará en Uruguay, y donde mostrará en directo como sigue navegando en la canción, un género que, asegura, “tendrá siempre larga vida”. “Haré un recorrido por los temas más emblemáticos de mi carrera, pero también voy con la ilusión de estrenar algunos de los que aparecerán en mi nuevo disco ‘Almas comunes’ y en ese andar recorreré distintos géneros de la música cubana como la habanera, la guajira, el son, la canción trovadoresca y la balada”, se presenta Liuba María Hevia, en comunicación con Revuelto Radio. Nacida hace 61 años en La Habana pero con una vida repartida entre Cuba y España, país al que llegó siguiendo la huella de su abuelo asturiano, la artista se define como emigrante y sus músicas –plasmadas en 25 álbumes publicados hasta ahora- abrazan humanidades que tampoco reconocen fronteras ni pasaportes. Del Movimiento Nueva Trova Cubana que integró siendo una joven autora a una paleta de géneros que incluyen música para las infancias y diversos estilos de raíz entre sus dos tierras pero, también, el tango y el acompañamiento sinfónico, Liuba vuelve a Argentina en un viaje sudamericano que incluye debutar en Uruguay donde cantará en Punta del Este y Montevideo el sábado 23 y el domingo 24, respectivamente. A partir del lunes 25 estará en el país donde actuará ese mismo día desde las 19.30 en el Club Sportivo y Social Mitre (Av. Mitre 1417, de Quilmes) acompañada por Julio Lacarra; el jueves 28 a partir de las 20 estará en Raíces de Dawson (Nueva York 4699, de Berisso) con la participación del trovador Leonardo Tornello; una noche después desembarcará en el Torquato Tasso (Defensa 1575, de CABA) sumando al Dúo Karma; y el sábado 30 se despedirá compartiendo velada porteña con la cantante española-argentina Magdalena León en el Teatro El Alambique (Griveo 2350). -¿Cuál considerás que es tu relación con la música argentina que atraviesa diferentes momentos de tu trayectoria? -Argentina es un país con una gran tradición en la canción de autor. Es imposible que no influya al resto de los cantautores de habla hispana. He viajado a ese país en cinco ocasiones, en la primera hasta me permití cantar algunos tangos porque amo esa música, a Carlos Gardel, Eladia Blázquez, Astor Piazzolla y hasta grabé un disco de tangos que titulé “Naranjo en flor”. Pero en mí han calado desde Atahualpa Yupanqui hasta María Elena Walsh, pasando por Charly García, Fito Páez, Juan Carlos Baglietto, Teresa Parodi, Sandra Mijanovich, y más recientemente Georgina Hassan; la enorme cantora Mercedes Sosa, un icono a quien debemos la popularidad de muchos temas, y la increíble Julia Zenko. Desde hace más de diez años celebro un evento en Cuba que se llama “Alma creadora” y que tiene como uno de sus objetivos esenciales homenajear la obra de nuestros maestros: María Elena Walsh y Eladia Blázquez han sido dos de las festejadas. -¿Qué podés contar acerca de tu presente musical? Soy una mujer dichosa. Muchos dicen que nadie es profeta en su tierra, pero yo no puedo quejarme. He recibido el amor de un público de diversas edades y me he sentido mimada en mi tierra y eso va más allá de la mayor aspiración de un artista. Los últimos años han sido dulce musicalmente porque me han llevado a muchos países donde he podido mostrar mis canciones. Este año intuyo que será muy especial. Empezó con conciertos en España, viajé a La Habana e hice pequeños conciertos para los más vulnerables: los ancianos, los niños, residencias de la tercera edad, hospitales infantiles, un trabajo social que hago desde hace más de 30 años y tanto me reconforta. A mi regreso del Río de la Plata grabaré mi nuevo disco, “Almas comunes”, que será presentado en el Ateneo de Madrid en septiembre. En octubre haré cuatro conciertos en México, pasaré por Suiza y hacia diciembre cerraré el año con un recital de especial significado porque lo haré en el Auditorio de Langreo, un sitio donde paso mucho de mi tiempo, un lugar mágico y muy cercano a la zona donde nació mi abuelo (Eloy Hevia Alonso quien emigró a Cuba en 1920 para no ser reclutado en la Guerra del Rif entre España y Marruecos). No puedo pedir más. -¿Qué implica seguir cultivando la canción que es un género que parece perder terreno entre los géneros que dominan la escena y los algoritmos? -Permíteme no coincidir con tu afirmación. La canción de autor, siempre tendrá un espacio, el espacio que necesita la gente inquieta, pensante. Son muchos los cantautores y cantautoras que están en el top, aunque para ello, se apoyen en arreglos menos trovadorescos. Confío que en la canción de autor tendrá siempre larga vida. -¿De dónde surge tu interés por la música para las infancias que se plasmó en discos dedicados a las obras de Teresita Fernández, María Elena Walsh y Gabilondo Soler? -Desde muy joven he estado vinculada a la canción infantil. Uno de los discos que más amo es “Travesía mágica”, en el que hay canciones de Ada Elba Pérez, canciones de las dos y canciones mías. Es el disco para niños más editado en Cuba con 10 ediciones. Y en mi mente está grabar próximamente uno con canciones de mi autoría. Haber hecho antologías de tres grandes de la música infantil como son Teresita Fernández, María Elena Walsh y Gabilondo Soler, forma parte de mi interés por defender el legado de estas grandes y que los niños sigan creciendo con sus canciones. Mi trabajo en defensa de la infancia, me ha valido uno de los reconocimientos que más atesoro, ser Embajadora de Buena Voluntad de UNICEF. -Aún radicada en Madrid ¿Cómo vivís la situación que atraviesa Cuba? -Cuba me duele mucho. Cuba es mi país, mi templo. Nunca dejaré de estar

Música En su primer encuentro formal sobre un escenario, Cecilia Zabala y Coqui Ortiz ensamblaron sus personales talentos en Hasta Trilce para construir los “Paisajes” que pusieron nombre al soberbio espectáculo compartido. La guitarra, la voz, la poesía, esas materias primas de la canción, tienen el inasible poder de saber combinarse y abrazar infinitas posibilidades si es que anidan en espíritus inquietos, diversos y sensibles como los de Cecilia Zabala y Coqui Ortiz quienes en la noche del jueves se cruzaron artísticamente por primera vez para proponer “Paisajes”. Envueltos en la intimidad espacial y sonora de la sala porteña Hasta Trilce donde cada quien presentara sus novedades discográficas durante 2025, la improvisada dupla regaló desde fragmentos de confirmación de sus dotes autorales e interpretativas pero también de asombro ante un repertorio que fue brotando en una suerte de fogón y que hasta regaló momentos compartidos que invitan a imaginar futuras andanzas de a dos. Una de esas confluencias marcó el inicio de la velada con “El matecito de las siete”, un clásico del artista chaqueño que añadió una hermosa versión más a su cuantioso recorrido, y después la noche fue entregando momentos individuales pero nunca solitarios entre la compañía escénica y el expectante silencio del público. Cecilia, dueña de una musicalidad todoterreno que explota en lirismo desde una guitarra virtuosa y una voz plena de matices, escogió para sus intervenciones cinco de las piezas de sus más reciente y octavo disco solista “Sagrado rito”, pero también “Vermelho” que, recordó, compuso en una visita al Chaco. En el caso del visitante, que aportó su cálida hondura para abrazar un repertorio donde los colores de su territorio permiten viajar al seno de esa identidad pero también remontar otros cielos sin fronteras, repasó tres magníficos momentos de “Álbum de memorias” (el quinto y evocativo álbum de su cosecha personal), además expandió esos horizontes con más de tres décadas de fecunda actividad. Ella sola –capaz de hacerle músicas a textos de Javier Ruibal en “Sagrado rito” o escribir a partir de la guitarra de Juan Falú en “Sólo asi”) se lució especialmente en “Arte poética” e “Inventario”. Coqui, a su turno, recuperó el inspirado “Chamamé que se eleva”, defendió su propio mito en “El suquipuquero” y regaló “Tres esquelas”, un amoroso alegato que enlaza desde su madre hasta sus descendencias y que forma parte de una vasta producción que todavía no publicó pero está dispuesto a registrar. Animándose al dúo, Zabala y Ortiz se vincularon en torno a “Resistencia” y “Tonada de los viñedos” (dos creaciones que la artista porteña compuso respectivamente con Miguel Cantilo y Teresa Parodi) y para el bis de despedida, a casi 90 minutos del inicio, volvieron a reincidir a partir de la inmensa «Sólo luz» de Raúl Carnota. Invocando a los duendes y proponiendo la audacia de inyectarle belleza a este mundo hostil, Coqui y Cecilia consiguieron sumarle “Paisajes” a una canción que entre legados y novedades sigue batallando con la emoción a flor de piel.   Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

Música Una decena de obras de tres siglos atrás compiladas por el obispo Martínez Compañón son recuperadas por los arreglos de Javier Zentner quien junto a las voces femeninas de la Escuela Coral Carlos Guastavino de Santo Tomé las ofrecerá el sábado a las 18 en un concierto gratuito del Auditorio DAMUS. El músico, compositor y docente Javier Zentner, con una larga y reconocida actividad como director coral, tendrá la batuta, los arreglos y la producción del concierto “Martínez Compañón. Una Mirada Nueva. Concierto para Coro Femenino” que el próximo sábado desde las 18 tendrá su primera presentación porteña tras la premiere mundial de agosto pasado en la ciudad de Santa Fe. Con entrada gratuita en el Auditorio DAMUS de la UNA (Av. Córdoba 2445), las voces serán las del Coro de la Escuela Coral Carlos Guastavino de Santo Tomé, que comanda Evelyn Plaumer, que deberá encarnar la recopilación que el obispo de Trujillo, Perú, Baltasar Jaime Martínez Compañón, encaró a mediados de la segunda mitad del siglo XVIII, y volcó en un códice manuscrito en nueve volúmenes, 1411 acuarelas y una veintena de partituras musicales que documentan su vida en la diócesis. Las músicas –registradas aproximadamente hacia 1780- fueron transcritas en forma de melodía con bajo, sin indicaciones de orgánico, orquestación ni formato coral. El contenido de los textos es variado y abarca desde la temática navideña hasta contingencias cotidianas y conflictos de amores. Sobre ese material, Zentner (que fue integrante y arreglador del Cuarteto Zupay, tomó parte del Coro Estable del Teatro Colón, el Conjunto 9 de Cámara y el conjunto madrigalista Cantica Nova, dirigió el Quinteto Clave y actualmente es responsable del Coro Cumpa), hizo un trabajo para conformar un repertorio de una decena de piezas sobre las 20 que componen el material completo. “Yo me acerqué inicialmente al material del Códice Martínez Compañón en mis tareas de productor artístico y acompañante musical del maestro Néstor Andrenacci en la grabación de un disco muy lindo que se llamó ‘Convidando está la noche’, que estaba dedicado a lo que se llama barroco latinoamericano. Y ahí tuve un primer acercamiento, incluso un lindo acercamiento musical porque a veces fue necesario improvisar ideas de instrumentación y en una de las obras aparezco en la ficha técnica tocando ‘Cajón de Sacristía’ que fue un instrumento que lo inventamos eh pidiendo prestado de la sacristía el cajón de un mueble para hacer un poco de percusión”, señala Zentner. Consultado acerca de su labor específica como arreglador de esas obras, el artista, de 74 años, apunta: “Yo le di seguimiento a ese material que es muy entrañable, muy sencillo, muy simple, pero a la vez con una gran belleza interior que trabajé con el criterio de que estas músicas son músicas populares, adaptables al cancionero latinoamericano que conocemos hoy día, lo que se ha llamado en algún momento raíz folclórica o proyección folclórica. Entonces mis arreglos corales son como si quisiera hacer una zamba del Cuchi Leguizamón o un loncomeo, no es distinto a eso. Porque, por otro lado, encontré justamente allí la raíz donde se junta la vertiente española, la vertiente de los pueblos originarios y, muy influyentemente, la vertiente negra. De hecho, eso aparece mucho en las ilustraciones del códice que son 1411 muy bellas acuarelas donde muchas de ellas están dedicadas a escenas donde la gente canta, toca y baila y ahí se aprecian mezcladas estas tres perspectivas”. En el mismo sentido, el autor de “Suite de Sefarad” y de las músicas para los haikus de Jorge Luis Borges, entre otras creaciones, considera que el rescate hecho por Martínez Compañón “están los embriones del huayno, de la chacarera en 6×8 cuando es con percusión, de la chacarera como joropo cuando instrumentamos solamente con cuerdas”. -¿Por qué este repertorio se propone para coro femenino? -Lo propuse para coro femenino a propuesta de mi amigo Gabriel Garrido, el gran maestro musical argentino que ha hecho carrera en Europa dedicándose al barroco americano, cuando tomando un café en el Bar Británico frente al Parque Lezama puso sus ojos en el horizonte y dijo, ‘qué lindo que sería el repertorio de Martínez Compañón cantado solamente por voces femeninas. Lástima que no haya esos arreglos’. Pero ni me miraba, miraba lejos. Así que asumí ese desafío e hice el trabajo durante entre ocho y diez años con interrupciones, y cuando esto estuvo listo, a comienzos de 2025, lo llevé a una asamblea de la Asociación de Directores de Coro de la Argentina que se hizo en Mendoza. -¿Cómo se da la confluencia con el Coro de la Escuela Coral Carlos Guastavino de Santo Tomé? -En esa asamblea en Mendoza, la comisión tuvo la muy buena idea de incluir una multiplicidad de pequeños talleres y conferencias, donde más de 50 expositores mostramos ideas, trabajos, comentarios, procedimientos y allí yo conté la historia de esta versión para coro femenino de las músicas encontradas en el códice y las mujeres de la Escuela Coral Carlos Guastavino de Santo Tomé se vinieron a mi taller y quedaron muy entusiasmadas con lo que escucharon y con lo poco que se pudo cantar. Pero ahí mismo nos fuimos a otra sala, cantamos un poco de una de las obras y quedó el entusiasmo por montar las 10 piezas en forma en concierto, una experiencia que tuvo su estreno mundial a finales de agosto de 2025 en la provincia de Santa Fe. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

Música Con el disco “Un mundo guardado–Canciones y poemas de Atahualpa Yupanqui”, Marcos Montes traza un personal acercamiento a esa herencia que asumirá el sábado en vivo con un recital gratuito en el Borges. El artista Marcos Montes, actor y músico capaz de abordar muy diferentes registros interpretativos, sorprende al adentrarse con conocimiento y personalidad en el universo yupanquiano con el álbum “Un mundo guardado–Canciones y poemas de Atahualpa Yupanqui” (Los Años Luz) que el próximo sábado a las 20 asumirá en vivo en un concierto gratuito en el Centro Cultural Borges (Viamonte 525). En notas de prensa Montes reveló que su vínculo con este repertorio lleva 15 años por escenarios de Argentina, Uruguay, Francia y España aunque la inspiración para abordarlo duplica ese tiempo ya que se remonta al momento en el que presenció en el Teatro Nacional Cervantes un concierto homenaje de Suma Paz a su mentor y sumo artista criollo. “’Hay un aromo nacido en la grieta de una piedra / parece que la rompió pa’ salir de adentro de ella’ nos dijo Suma a los espectadores. Ese día sentí un llamado, como me había pasado pocos años antes, cuando resolví dedicarme al teatro. Aunque ahora era otra la urgencia: me llegaba la necesidad de pasar el mensaje que la tierra tiene para sus hombres y mujeres”, evocó. Entre aquella revelación y el trabajo personal para hacer asumir ese legado, el cantante y guitarrista recién tomó la decisión de dejar registro de ese tránsito cuando se conformó la compañía Telón de fondo, junto a la pianista Fernanda Morello y el cineasta y autor José Militano. Acerca de ese proceso, Montes citó el consejo que Atahualpa Yupanqui supo darle a Suma Paz: “En la vida del artista hay largas esperas, y hay que saber detenerse. El camino es largo; cuidado con los atajos, son cortos, son lindos, pero la van a llevar a otro lado” y en tiempo presente apunta: “Deseo que los años que esperé para acercar al público este disco den cuenta de mi compromiso con la obra y el pensamiento de nuestro máximo trovador”. Pese a su sólido vínculo con la guitarra, al momento de grabar las nueve trabajadas piezas, sumó dos aportes pianísticos para sendas zambas: el de Facundo Ramírez en “La arribeña” y el de Gabriela Bernasconi en “La añera”. Pero otras zambas, la milonga campera, la entrerriana y la huella las aborda en solitario en una nómina que completa con “Milonga del peón de campo”/”Para el que mira sin ver”; “Los horneros”; “Recuerdos del Portezuelo”; “El aromo”/”Huella, huellita”; “El vendedor de yuyos”; “Zamba perdida”; y “Mi regreso”. Montes, además, incorpora otro de sus talentos al recitar intercaladamente versos de Don Ata para ofrecer un recorte parcial pero acabado del creador fallecido 23 de mayo de 1992, a sus 84 años, en la ciudad francesa de Nimes. “Un mundo guardado-Canciones y poemas de Atahualpa Yupanqui” toma algunas de las facetas del autor (o co-autor) de más de 300 obras, entre ellas: “Los ejes de mis carreta”, “Chacarera de las piedras”, “Luna tucumana”, “El arriero”, “Los hermanos”, “Piedra y camino”, “Zamba del grillo” y “Coplas del payador perseguido” y también una parte de su producción poética presente en títulos como “El cielo está dentro de mí”, “Cerro Bayo”, “Aires indios” y “El canto del viento”, aunque sobre ese friso sonoro despunta la voz propia de Montes quien no se limita a la mera recreación de esos tesoros culturales. Con esta placa, el artista alcanza su quinto volumen después de “Now’s the time” (2000) con el grupo de jazz vocal Blow Back; “Way down South” (2004); “Toco y me voy… un poco toco”, con la cantante y actriz Gipsy Bonafina (2008); y “Trois tangos”, con Axel Krygier y Gonzalo Demaria (2010), además de ostentar una imponente actividad actoral que entre 2009 y 2018 lo llevó a residir en Francia para trabajar con Alfredo Arias. También fundó el grupo de teatro (H)umoris Dramatis junto a Carlos Portaluppi y Guillermo Ghío e hizo participaciones en televisión, series y cine bajo las órdenes de James Ivory, Roland Joffe, Ana Katz, Anahí Berneri y Daniel Burman, entre más. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

El próximo 20 de mayo a las 19h en el querido espacio Hasta Trilce del barrio de Boedo, habrá una nueva oportunidad de visibilizar la amplia y rica producción tanguera que sucede año a año. Por Flor Meluso Gracias a la iniciativa que impulsan los periodistas, gestores culturales y comunicadores Andrés Valenzuela, Ximena Pascutti y Nacho Villabona, los Premios Tango Siglo XXI transcurren su segunda edición y se instalan como una celebración de la música ciudadana actual. Tanto las categorías como los nominados surgieron del trabajo de escucha, debate y selección de un Jurado de Preselección convocado especialmente para la tarea. Este Jurado incluyó referentes del ámbito:Gabriel Plaza, Flavia Angelo, Facundo Arroyo, Mariana Fossati, Gabriel Cocaro, Paula Sterczek, Nacho Babino, Irene Amuchástegui, Pablo Vázquez, Hernán Astudillo y Mariano Suárez. Con una conferencia de prensa también en Hasta Trilce, y con algunos de los miembros del jurado presentes, se anunciaron las ternas que conforman la selección de trabajos discográficos. Tanto los organizadores como algunos miembros del jurado de preselección, hicieron hincapié en la cantidad de producciones (unas 187) durante el año 2025.  “La dinámica no contempla que los artistas deban postularse, sino que nosotros relevamos y escuchamos todo lo que nos llega”, explicó Nacho Villabona, quien oficia de coordinador del Jurado como parte de la organización de los Premios. Además, este año se sumaron dos nuevas categorías: “Mejor disco en vivo”, ya que se dieron cuenta que había una gran cantidad de material grabado de esa manera e “Invocación” donde los artistas invitan a hacer una relectura de obras consagradas. “El espíritu es que entren todos los estilos del tango que se hacen actualmente”, destacó Flavia Angelo. Las categorías, que pueden cambiar de un año al otro, buscan reflejar lo que fue la producción discográfica del año anterior. A continuación compartimos quienes serán protagonistas de la gala del 20 de mayo y de la cual se desprenderán los ganadores de 2026: Mejor Disco Grupo de Cámara instrumental ● “Con todo” Horacio Romo, Pablo Agri y Emiliano Messiez ● “Paisajes de Buenos Aires” Franco Bruschini Quinteto ● “500 Motivaciones” Luis Ceravolo 4 Mejor Disco Orquesta Instrumental / Orquesta de Concierto ● “Legado Pane” Orquesta Típica Julio Pane (disco póstumo) ● “Pinceladas del tiempo” Orquesta de Tango de la UNA. Dir. Andrés Pirotti ● “Alquimia” Sur del Sur Ensamble, Víctor Lavallén y Horacio Cabarcos Mejor Disco Solista Instrumental ● “Sur (como respuesta a todas las preguntas)” Adrián Iaies ● “Camino” Natsuki Nishihara ● “Las cuatro estaciones” Noelia Sinkunas ● “The still unknown (& unfinished) album recording name” Marcelo Nisinman Mejor Disco Cantor o Cantora / Disco Vocal Instrumental ● “Mensaje 50” Daisy Lombardo y Ramiro Gallo Quinteto ● “Pratanguero: 4o Esquina Final” Ariel Prat ● “Canciones en el estudio” Mica Sancho ● “Toma I” Lautaro Mazza Y Oscar De Elía Mejor Disco Electrotango ● “Re” Otros Aires ● “Doscerodosx” D’Amico ● “Nontango” Godoy Mejor Disco Tango Fusión ● “El viejo Caminante” Dino Saluzzi, Jacob Young y José María Saluzzi ● “Tangomorphosis” Pablo Estigarribia ● “Saga” Yamandu Costa con Martín Sued & Orquesta Assintomática Mejor Disco Milonguero ● “Icónico y barrial” Orquesta Típica Misteriosa Buenos Aires ● “Santo Milonguero” Orquesta Típica Andariega ● “Los 3 temores de Tango Bardo” Tango Bardo con Cucuza Castiello, Chino Laborde y Roberto Minondi Mejor Disco Tango Criollo ● “Canto mi canto” Nahuel Roht ● “Escaleras, candilazos y baldíos” Quinteto Criollo González Calo y Juan Seren ● “Pillos y atentos” Las Guitarras Sensibles De Flores Mejor Disco Tango Canción ● “La noche interminable” Orquesta Cuerdas del Plata y Mariana Michi ● “Tiempo de amar o morir” La Martino Orquesta Típica ● “Fronda” Madreselva Mejor Disco Nuevas Tendencias ● “Un mar de niebla” Dúo Tello-Echeveste ● “Dance me to the end of noise” El Cachivache Quinteto ● “Julián Peralta: Sofía y los sueños” Mariano González Calo, Julián Peralta y Orquesta Cuerdas del Plata Mejor Disco En Vivo ● “Canciones de dos puertos” Alfredo Piro Rinaldi ● “Vivo Veinte” Quiero 24 ● “Puro tango” La Chicana ● “En Vivo 20 Años” Tanghetto Mejor Disco Invocación [Relectura de obra] ● “Zorzal eterno” Las Bordonas ● “Rovira 100” Sónico ● “Tribute to Juan Carlos Cáceres” Le Collectif Tango Negro Ensemble Mejor EP Tango Instrumental ● “Ciudad Tango” Fabio Hager Sexteto ● “Los perros ladran” Los Perros Ladran y Rodolfo Mederos ● “Periferia Vol. I” Arcano Tango Mejor EP Tango Cantado ● “Troilo” Cucuza Castiello y Tango Bardo ● “Tirando pa ́ no aflojar” Elis Roig ● “Sesión Parque Leloir” Julieta Laso Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

Un video titulado Música para no pensar disparó el comentario de apertura en El Desconcierto, el programa que se emite todos los domingos de 10 a 13 por Revuelto Radio. Quique Pesoa arrancó el programa con una pregunta incómoda sobre la música que consumimos, los algoritmos que la moldean y lo que eso le hace a nuestro cerebro. Y anticipó el riesgo de plantearla: que suene a «viejo de mierda quejándose de la música de ahora». Por eso aclaró desde el arranque que acá hay algo más que nostalgia. A continuación, y a pedido de oyentes, el comentario completo: En el mientras tanto, esto de la pantallita, esto de los seis segundos que pasan cuando estás scrolleando, esto de que si a los seis segundos no te llamó la atención, pasa a otro scroll. Seis segundos… esto dice un un vídeo que ví y que le pedí a la inteligencia artificial que me lo pase a texto. Luego le pedí que haga una interpretación, para ver qué decía, para ver cómo interpreta esto titulado «música para no pensar». La inteligencia artificial me contesta y me dice: el autor sostiene que la música actual no es arte, sino un producto neuroquímico diseñado para una mente que ha renunciado a la profundidad, define la situación como una involución cognitiva planificada y una homogenización del espectro sonoro, donde la melodía y la lírica han muerto bajo el autotune. Basándose en estudios de la Universidad de Viena, afirma que la música es ahora más simple, ruidosa y pobre en vocabulario, con un 40 por ciento menos de variaciones tonales que en los años 70. La industria busca activos financieros predecibles, mediante la compresión de la sonoridad, eliminando rangos dinámicos para un cerebro en vigilia pasiva. El algoritmo de TikTok ha reconfigurado la dopamina del cerebro. Si no hay un estímulo masivo en seis segundos, el usuario pasa al siguiente contenido, lo que obliga a los productores a eliminar introducciones y desarrollar estribillos eternos. Esta glucosa digital deja al oyente desnutrido. El discurso advierte que la música simplificada sólo activa el sistema límbico primario, mientras que la compleja fomenta la resolución de problemas y la empatía. Quien acepta canciones basura, por pereza mental, terminará aceptando discursos políticos totalitarios al perder su capacidad de filtro. Además, vuelve a Forster, la desaparición de la metáfora y el uso de letras literales y crudas eliminan el misterio, incapacitándonos para entender realidades complejas. Finalmente, el autor propone la escucha activa como un acto de rebelión política y una forma de recuperar la soberanía del oído frente a la dictadura de lo mediocre impuesta por los algoritmos de Silicon Valley. Puntos clave y planteamientos importantes. Los argumentos del autor se pueden agrupar en cuatro ejes fundamentales. 1. Degradación técnica y artística. Simplicidad sistémica. Se ha reducido drásticamente la variedad de acordes y la complejidad armónica ha sido sustituida por el loop infinito. 2. Uso del autotune. No se usa por estética, sino como una corrección robótica para ocultar la mediocridad acústica y la falta de talento real. 3. Obsolescencia programada. Las canciones duran menos de 3 minutos porque las plataformas pagan por reproducción, no por calidad, lo que fragmenta la atención humana. 4. Impacto neurológico y cognitivo. Atrofia mental. La música ultrasimplificada contrae la materia gris y entrena al cerebro la impaciencia crónica buscando gratificación instantánea, el estribillo inmediato, sin esfuerzo. 5. Pérdida de pensamiento abstracto. Al reducir la lírica a pocas palabras sobre sexo y consumo, se castra la capacidad emocional y la posibilidad de procesar conceptos complejos o éticos. 6. Control social y político. Domesticación masiva. La industria utiliza la música para mantener a las personas en su lugar a través del ritmo y el entretenimiento de baja intensidad. El ruido contra la reflexión. Se evita el silencio porque es el laboratorio de la insurrección. El ruido constante de fondo impide que el individuo piense por sí mismo. Este análisis lo hicieron Gonzalo Gesualdo y Mercedes Pesoa. Les mandé el audio, le pidieron a la inteligencia artificial que lo pase a texto y después que lo analice. Y la verdad, esto me hace pensar mucho. Fíjate cómo la inteligencia artificial logró armar un corpus pequeño que yo puedo compartir con vos porque me pareció interesante. Porque acá hay un alegato en contra de esta música que va simplificando las cosas y nos aplana el melón. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

Grabado a sala llena, este video-disco es un registro sensible de un tiempo compartido. Puesta en escena cuidada, sonido atesorado y una banda que comparte folklore sin fronteras y con raíz. Por Ale Simonazzi Foto Rocío Coelho Duratierra vuelve en forma de abrazo audiovisual: “A los amores en vivo en el ND”, su primer video-disco, registrado a sala llena los días 6 y 7 de junio de 2025 en el ND Teatro, en Buenos Aires. Quienes allí estuvimos podemos revivir a través de este cuidado registro, noches de emoción profunda, de encuentro. Esa sensación de salir a la calle con el corazón hinchado de belleza, luego de que la música nos hubiera corrido el velo de lo cotidiano para mostrar lo esencial. El camino de Duratierra es de búsqueda, riesgo y compromiso, pero sobre todo de construcción colectiva en torno a la música y la palabra. Esa noche Duratierra fue todo eso: un lugar donde la música no es decoración del mundo, sino herramienta para habitarlo con más verdad. “A los amores” ya era un hito en la trayectoria del grupo, un disco que no nos cansamos de recomendar. Pero lo que ocurre cuando estas canciones vuelven al escenario es otra cosa: vuelven a respirar y, por ende, respiran distinto. Duratierra lo sabe y lo practica: la música se vuelve plena cuando es celebración colectiva, cuando el “estar juntos/as” no es una frase de consigna, sino energía concreta, palpable, que nos sostiene. El registro audiovisual, a cargo de Conurbana Audiovisual, logra esa magia: atesorar el detalle sin apagar el misterio. Con dirección general y puesta en escena de Giselle Hauscarriaga, A los amores en vivo nos permite volver a emocionarnos a quienes estuvimos en el ND y atrapar, con la música y el relato visual, a todo el que se acerque a la obra de Duratierra y su manera de habitar el escenario. Es en el vivo donde aparece con mayor nitidez una de las marcas más finas de Duratierra: la exquisitez no como lujo, sino como cuidado. En el sonido, en la dinámica del septeto, en cómo cada arreglo parece pensado para que la canción diga más, nos abra un abanico de sonidos e imágenes en los que la emoción es sinónimo de profundidad. Si no conocés a Duratierra, este lanzamiento es una puerta directa al corazón de su propuesta: canciones que nacen del folklore y se abren al rock, al pop o al jazz, sin prejuicios. Si ya los seguís, “A los amores en vivo en el ND” queda como registro necesario de un momento de madurez: una banda que no se conforma con sonar bien, sino que convierte el escenario en un espacio para compartir su mirada del mundo. El recorrido del concierto ordena climas: “Árbol” abre la noche con ritmo de huayno, “A los amores” llega con la energía del gato, como celebración sin solemnidad. “Te miré por vez primera” y “Mudanza” mueven el eje: ahí aparecen los matices, el pulso fino, esa forma de Duratierra de decir “profundidad” sin ponerse grave. En ese viaje, la enorme Silvia Aramayo suma piano y voces a lo largo de todo el concierto. En “Las flores del jardín” se suma la voz invitada de Sara Arroyo Factorovich. Más adelante, “Verano del 19” y “Las cosas” vuelven a juntar emoción con movimiento, hasta que “Milonga de despedida” cierra en un rito compartido. La yapa no es un agregado, sino más bien una expansión. “La del Pueblo” y “Trinchera” empujan el cuerpo hacia la ronda, y “Amor tecnócrata” enganchada con “Yo me llamo cumbia” abre la fiesta con invitadxs en voces (Ivonne Guzmán y Astor Saraco Vita) y un set de percusiones que termina de encender la noche (Ximena Gallina, Agustín Alfonso y Machu Terruzzi). Duratierra son Micaela Vita (voz), Juan Saraco (guitarra y voces), Nicolás Arroyo (percusión y voz), Tomás Pagano (bajo acústico), Valen Bonetto (guitarras, guitarrón, ronroco y voz), Martín Beckerman (percusión y voces). Una banda que le pone música a las ganas de construir mejores mundos. Foto Rocío Coelho Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

El domingo 21 de diciembre, Café Berlín fue escenario para que el jazz se mixture con samba, candombe, guiños rioplatenses y un pulso centroamericano que mueve cuerpo y alma. Latinaje —la big band creada por Guido Martínez— celebró el reencuentro con una formación afilada, sonido grande y espíritu de equipo: once músicos que conocen el oficio, se escuchan de verdad y vuelven a decir, con música original, que la alegría también es una forma seria de estar en el mundo. Por Ale Simonazzi Pasaron más de veinte años desde aquellas noches en La Revuelta, sobre Álvarez Thomas, cuando Latinaje era parte de una escena que se renovaba con potencia y en la que el jazz presentaba nuevos y potentes agrupaciones. Volver a escuchar a la big band de Guido Martínez en Café Berlín, el domingo 21 de diciembre, no fue un ejercicio de memoria: fue una confirmación en presente. La sala estuvo llena, el clima fue de celebración, hasta algunos espectadores abandonaron las mesas para bailar. Cuando el groove está encendido y los arreglos respiran, el cuerpo entra a la conversación sin pedir permiso. Latinaje siempre tuvo algo de equipo. En sus primeras épocas, la imagen de las camisetas amarillas numeradas funcionaba como una declaración estética y también como una forma de pertenencia: once músicos pensando y tocando como un solo organismo. En esta vuelta, el detalle se actualizó con casacas amarillas, nombres en la espalda y el símbolo volvió a funcionar: lo que pasa arriba del escenario no es una suma de lucimientos individuales, sino una maquinaria colectiva donde cada engranaje importa. Una de las claves para entender por qué Latinaje suena así —sólido, grande, pero nada acartonado— aparece en la transcripción de la charla que tuvimos con Guido Martínez y Alejandro Manzoni. Guido cuenta que compone imaginando personas concretas: no escribe “para trompeta” o “para piano”, sino para ese músico, con su sonido y su carácter. Incluso piensa introducciones, melodías y espacios de improvisación según quién va a tocar. Esa forma de escribir hace que la música ya nazca con identidad humana adentro, y que la orquesta no suene como un formato genérico sino como una banda con ADN propio. Él mismo lo plantea: aunque el lápiz lo tenga uno, la composición termina siendo “en conjunto”, porque cada integrante aporta una personalidad reconocible. Guido también explica su método de trabajo: las ideas aparecen desde el piano y la computadora, y luego se transforman en orquesta, con escritura y arreglos que ordenan el material sin apagar el juego. Eso se escuchó claramente en Café Berlín. Los pasajes de ensamble tuvieron precisión y empaste, pero siempre con aire; los solos aparecieron con libertad, sostenidos por una base que nunca se desarma. Es el equilibrio difícil: disciplina para que la música vuele, y vuelo para que la disciplina no se vuelva rigidez. La formación de lujo de la banda: Guido Martínez (bajo, composición y dirección), Daniel “Coqui” Di Doménica (trompeta), Juan Cruz de Urquiza (trompeta), Santiago Castellani (trombón), Gustavo Musso (saxo alto), Damián Fogiel (saxo tenor), Martín Pantyrer (saxo barítono), Alejandro Manzoni (piano), Matías Tozzola (guitarra), Javier “Turco” Mokdad (percusión) y Daniel “Pipi” Piazzolla (batería). Con ese equipo, el concierto tuvo una cualidad contagiosa: el disfrute. Se disfrutaba desde las mesas y, sobre todo, se veía disfrutar a los músicos. Hubo una comunión genuina entre escenario y público, esa sensación de que la música no se “presenta” sino que se comparte, y que cada aplauso vuelve a la banda en forma de energía. El repertorio tendió puentes entre etapas. Sonaron temas como “La Conversa”, “Influência Bosco” —un homenaje a João Bosco— y “La Masita”, y también aparecieron composiciones nuevas que apuntan a un tercer disco. En particular, “La Conversa” cargó con un plus de sentido: en la charla, Guido recuerda que ese material se grabó en vivo, tocado de corrido, y que por eso conserva esa sensación de organismo en movimiento, con la intensidad del momento. En Berlín, esa energía volvió a manifestarse de manera directa: lo que Latinaje hace mejor es sonar como un cuerpo grande que se mueve con naturalidad. También apareció, como telón de fondo, la historia del paréntesis. Guido cuenta que hacia 2005/2006 quedó material grabado sin terminar y que, entre la vida y la logística de sostener un grupo grande, apareció el “miedo” lógico de mantener esa estructura en marcha. Pero la vuelta no llegó por impulso nostálgico: llegó porque el interés por esa música nunca se apagó. Y ahora el horizonte está claro: de a poquito, van armando repertorio para grabar un nuevo disco. En un país y en un tiempo donde cuesta sostener proyectos, ver a once músicos reencontrarse con esta calidad y esta alegría tiene un valor especial. La noche en Café Berlín dejó una sensación muy concreta: nadie quería que terminara. No sólo por la música en sí, sino por lo que la música habilitó dentro de la sala: un domingo transformado en fiesta, un público que baila, una banda que toca con solvencia y placer, y la certeza de que Latinaje, cuando vuelve, no vuelve a repetir: vuelve a decir algo nuevo con la misma identidad. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON