El próximo 20 de mayo a las 19h en el querido espacio Hasta Trilce del barrio de Boedo, habrá una nueva oportunidad de visibilizar la amplia y rica producción tanguera que sucede año a año. Por Flor Meluso Gracias a la iniciativa que impulsan los periodistas, gestores culturales y comunicadores Andrés Valenzuela, Ximena Pascutti y Nacho Villabona, los Premios Tango Siglo XXI transcurren su segunda edición y se instalan como una celebración de la música ciudadana actual. Tanto las categorías como los nominados surgieron del trabajo de escucha, debate y selección de un Jurado de Preselección convocado especialmente para la tarea. Este Jurado incluyó referentes del ámbito:Gabriel Plaza, Flavia Angelo, Facundo Arroyo, Mariana Fossati, Gabriel Cocaro, Paula Sterczek, Nacho Babino, Irene Amuchástegui, Pablo Vázquez, Hernán Astudillo y Mariano Suárez. Con una conferencia de prensa también en Hasta Trilce, y con algunos de los miembros del jurado presentes, se anunciaron las ternas que conforman la selección de trabajos discográficos. Tanto los organizadores como algunos miembros del jurado de preselección, hicieron hincapié en la cantidad de producciones (unas 187) durante el año 2025.  “La dinámica no contempla que los artistas deban postularse, sino que nosotros relevamos y escuchamos todo lo que nos llega”, explicó Nacho Villabona, quien oficia de coordinador del Jurado como parte de la organización de los Premios. Además, este año se sumaron dos nuevas categorías: “Mejor disco en vivo”, ya que se dieron cuenta que había una gran cantidad de material grabado de esa manera e “Invocación” donde los artistas invitan a hacer una relectura de obras consagradas. “El espíritu es que entren todos los estilos del tango que se hacen actualmente”, destacó Flavia Angelo. Las categorías, que pueden cambiar de un año al otro, buscan reflejar lo que fue la producción discográfica del año anterior. A continuación compartimos quienes serán protagonistas de la gala del 20 de mayo y de la cual se desprenderán los ganadores de 2026: Mejor Disco Grupo de Cámara instrumental ● “Con todo” Horacio Romo, Pablo Agri y Emiliano Messiez ● “Paisajes de Buenos Aires” Franco Bruschini Quinteto ● “500 Motivaciones” Luis Ceravolo 4 Mejor Disco Orquesta Instrumental / Orquesta de Concierto ● “Legado Pane” Orquesta Típica Julio Pane (disco póstumo) ● “Pinceladas del tiempo” Orquesta de Tango de la UNA. Dir. Andrés Pirotti ● “Alquimia” Sur del Sur Ensamble, Víctor Lavallén y Horacio Cabarcos Mejor Disco Solista Instrumental ● “Sur (como respuesta a todas las preguntas)” Adrián Iaies ● “Camino” Natsuki Nishihara ● “Las cuatro estaciones” Noelia Sinkunas ● “The still unknown (& unfinished) album recording name” Marcelo Nisinman Mejor Disco Cantor o Cantora / Disco Vocal Instrumental ● “Mensaje 50” Daisy Lombardo y Ramiro Gallo Quinteto ● “Pratanguero: 4o Esquina Final” Ariel Prat ● “Canciones en el estudio” Mica Sancho ● “Toma I” Lautaro Mazza Y Oscar De Elía Mejor Disco Electrotango ● “Re” Otros Aires ● “Doscerodosx” D’Amico ● “Nontango” Godoy Mejor Disco Tango Fusión ● “El viejo Caminante” Dino Saluzzi, Jacob Young y José María Saluzzi ● “Tangomorphosis” Pablo Estigarribia ● “Saga” Yamandu Costa con Martín Sued & Orquesta Assintomática Mejor Disco Milonguero ● “Icónico y barrial” Orquesta Típica Misteriosa Buenos Aires ● “Santo Milonguero” Orquesta Típica Andariega ● “Los 3 temores de Tango Bardo” Tango Bardo con Cucuza Castiello, Chino Laborde y Roberto Minondi Mejor Disco Tango Criollo ● “Canto mi canto” Nahuel Roht ● “Escaleras, candilazos y baldíos” Quinteto Criollo González Calo y Juan Seren ● “Pillos y atentos” Las Guitarras Sensibles De Flores Mejor Disco Tango Canción ● “La noche interminable” Orquesta Cuerdas del Plata y Mariana Michi ● “Tiempo de amar o morir” La Martino Orquesta Típica ● “Fronda” Madreselva Mejor Disco Nuevas Tendencias ● “Un mar de niebla” Dúo Tello-Echeveste ● “Dance me to the end of noise” El Cachivache Quinteto ● “Julián Peralta: Sofía y los sueños” Mariano González Calo, Julián Peralta y Orquesta Cuerdas del Plata Mejor Disco En Vivo ● “Canciones de dos puertos” Alfredo Piro Rinaldi ● “Vivo Veinte” Quiero 24 ● “Puro tango” La Chicana ● “En Vivo 20 Años” Tanghetto Mejor Disco Invocación [Relectura de obra] ● “Zorzal eterno” Las Bordonas ● “Rovira 100” Sónico ● “Tribute to Juan Carlos Cáceres” Le Collectif Tango Negro Ensemble Mejor EP Tango Instrumental ● “Ciudad Tango” Fabio Hager Sexteto ● “Los perros ladran” Los Perros Ladran y Rodolfo Mederos ● “Periferia Vol. I” Arcano Tango Mejor EP Tango Cantado ● “Troilo” Cucuza Castiello y Tango Bardo ● “Tirando pa ́ no aflojar” Elis Roig ● “Sesión Parque Leloir” Julieta Laso Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

Un video titulado Música para no pensar disparó el comentario de apertura en El Desconcierto, el programa que se emite todos los domingos de 10 a 13 por Revuelto Radio. Quique Pesoa arrancó el programa con una pregunta incómoda sobre la música que consumimos, los algoritmos que la moldean y lo que eso le hace a nuestro cerebro. Y anticipó el riesgo de plantearla: que suene a «viejo de mierda quejándose de la música de ahora». Por eso aclaró desde el arranque que acá hay algo más que nostalgia. A continuación, y a pedido de oyentes, el comentario completo: En el mientras tanto, esto de la pantallita, esto de los seis segundos que pasan cuando estás scrolleando, esto de que si a los seis segundos no te llamó la atención, pasa a otro scroll. Seis segundos… esto dice un un vídeo que ví y que le pedí a la inteligencia artificial que me lo pase a texto. Luego le pedí que haga una interpretación, para ver qué decía, para ver cómo interpreta esto titulado «música para no pensar». La inteligencia artificial me contesta y me dice: el autor sostiene que la música actual no es arte, sino un producto neuroquímico diseñado para una mente que ha renunciado a la profundidad, define la situación como una involución cognitiva planificada y una homogenización del espectro sonoro, donde la melodía y la lírica han muerto bajo el autotune. Basándose en estudios de la Universidad de Viena, afirma que la música es ahora más simple, ruidosa y pobre en vocabulario, con un 40 por ciento menos de variaciones tonales que en los años 70. La industria busca activos financieros predecibles, mediante la compresión de la sonoridad, eliminando rangos dinámicos para un cerebro en vigilia pasiva. El algoritmo de TikTok ha reconfigurado la dopamina del cerebro. Si no hay un estímulo masivo en seis segundos, el usuario pasa al siguiente contenido, lo que obliga a los productores a eliminar introducciones y desarrollar estribillos eternos. Esta glucosa digital deja al oyente desnutrido. El discurso advierte que la música simplificada sólo activa el sistema límbico primario, mientras que la compleja fomenta la resolución de problemas y la empatía. Quien acepta canciones basura, por pereza mental, terminará aceptando discursos políticos totalitarios al perder su capacidad de filtro. Además, vuelve a Forster, la desaparición de la metáfora y el uso de letras literales y crudas eliminan el misterio, incapacitándonos para entender realidades complejas. Finalmente, el autor propone la escucha activa como un acto de rebelión política y una forma de recuperar la soberanía del oído frente a la dictadura de lo mediocre impuesta por los algoritmos de Silicon Valley. Puntos clave y planteamientos importantes. Los argumentos del autor se pueden agrupar en cuatro ejes fundamentales. 1. Degradación técnica y artística. Simplicidad sistémica. Se ha reducido drásticamente la variedad de acordes y la complejidad armónica ha sido sustituida por el loop infinito. 2. Uso del autotune. No se usa por estética, sino como una corrección robótica para ocultar la mediocridad acústica y la falta de talento real. 3. Obsolescencia programada. Las canciones duran menos de 3 minutos porque las plataformas pagan por reproducción, no por calidad, lo que fragmenta la atención humana. 4. Impacto neurológico y cognitivo. Atrofia mental. La música ultrasimplificada contrae la materia gris y entrena al cerebro la impaciencia crónica buscando gratificación instantánea, el estribillo inmediato, sin esfuerzo. 5. Pérdida de pensamiento abstracto. Al reducir la lírica a pocas palabras sobre sexo y consumo, se castra la capacidad emocional y la posibilidad de procesar conceptos complejos o éticos. 6. Control social y político. Domesticación masiva. La industria utiliza la música para mantener a las personas en su lugar a través del ritmo y el entretenimiento de baja intensidad. El ruido contra la reflexión. Se evita el silencio porque es el laboratorio de la insurrección. El ruido constante de fondo impide que el individuo piense por sí mismo. Este análisis lo hicieron Gonzalo Gesualdo y Mercedes Pesoa. Les mandé el audio, le pidieron a la inteligencia artificial que lo pase a texto y después que lo analice. Y la verdad, esto me hace pensar mucho. Fíjate cómo la inteligencia artificial logró armar un corpus pequeño que yo puedo compartir con vos porque me pareció interesante. Porque acá hay un alegato en contra de esta música que va simplificando las cosas y nos aplana el melón. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

Grabado a sala llena, este video-disco es un registro sensible de un tiempo compartido. Puesta en escena cuidada, sonido atesorado y una banda que comparte folklore sin fronteras y con raíz. Por Ale Simonazzi Foto Rocío Coelho Duratierra vuelve en forma de abrazo audiovisual: “A los amores en vivo en el ND”, su primer video-disco, registrado a sala llena los días 6 y 7 de junio de 2025 en el ND Teatro, en Buenos Aires. Quienes allí estuvimos podemos revivir a través de este cuidado registro, noches de emoción profunda, de encuentro. Esa sensación de salir a la calle con el corazón hinchado de belleza, luego de que la música nos hubiera corrido el velo de lo cotidiano para mostrar lo esencial. El camino de Duratierra es de búsqueda, riesgo y compromiso, pero sobre todo de construcción colectiva en torno a la música y la palabra. Esa noche Duratierra fue todo eso: un lugar donde la música no es decoración del mundo, sino herramienta para habitarlo con más verdad. “A los amores” ya era un hito en la trayectoria del grupo, un disco que no nos cansamos de recomendar. Pero lo que ocurre cuando estas canciones vuelven al escenario es otra cosa: vuelven a respirar y, por ende, respiran distinto. Duratierra lo sabe y lo practica: la música se vuelve plena cuando es celebración colectiva, cuando el “estar juntos/as” no es una frase de consigna, sino energía concreta, palpable, que nos sostiene. El registro audiovisual, a cargo de Conurbana Audiovisual, logra esa magia: atesorar el detalle sin apagar el misterio. Con dirección general y puesta en escena de Giselle Hauscarriaga, A los amores en vivo nos permite volver a emocionarnos a quienes estuvimos en el ND y atrapar, con la música y el relato visual, a todo el que se acerque a la obra de Duratierra y su manera de habitar el escenario. Es en el vivo donde aparece con mayor nitidez una de las marcas más finas de Duratierra: la exquisitez no como lujo, sino como cuidado. En el sonido, en la dinámica del septeto, en cómo cada arreglo parece pensado para que la canción diga más, nos abra un abanico de sonidos e imágenes en los que la emoción es sinónimo de profundidad. Si no conocés a Duratierra, este lanzamiento es una puerta directa al corazón de su propuesta: canciones que nacen del folklore y se abren al rock, al pop o al jazz, sin prejuicios. Si ya los seguís, “A los amores en vivo en el ND” queda como registro necesario de un momento de madurez: una banda que no se conforma con sonar bien, sino que convierte el escenario en un espacio para compartir su mirada del mundo. El recorrido del concierto ordena climas: “Árbol” abre la noche con ritmo de huayno, “A los amores” llega con la energía del gato, como celebración sin solemnidad. “Te miré por vez primera” y “Mudanza” mueven el eje: ahí aparecen los matices, el pulso fino, esa forma de Duratierra de decir “profundidad” sin ponerse grave. En ese viaje, la enorme Silvia Aramayo suma piano y voces a lo largo de todo el concierto. En “Las flores del jardín” se suma la voz invitada de Sara Arroyo Factorovich. Más adelante, “Verano del 19” y “Las cosas” vuelven a juntar emoción con movimiento, hasta que “Milonga de despedida” cierra en un rito compartido. La yapa no es un agregado, sino más bien una expansión. “La del Pueblo” y “Trinchera” empujan el cuerpo hacia la ronda, y “Amor tecnócrata” enganchada con “Yo me llamo cumbia” abre la fiesta con invitadxs en voces (Ivonne Guzmán y Astor Saraco Vita) y un set de percusiones que termina de encender la noche (Ximena Gallina, Agustín Alfonso y Machu Terruzzi). Duratierra son Micaela Vita (voz), Juan Saraco (guitarra y voces), Nicolás Arroyo (percusión y voz), Tomás Pagano (bajo acústico), Valen Bonetto (guitarras, guitarrón, ronroco y voz), Martín Beckerman (percusión y voces). Una banda que le pone música a las ganas de construir mejores mundos. Foto Rocío Coelho Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

El domingo 21 de diciembre, Café Berlín fue escenario para que el jazz se mixture con samba, candombe, guiños rioplatenses y un pulso centroamericano que mueve cuerpo y alma. Latinaje —la big band creada por Guido Martínez— celebró el reencuentro con una formación afilada, sonido grande y espíritu de equipo: once músicos que conocen el oficio, se escuchan de verdad y vuelven a decir, con música original, que la alegría también es una forma seria de estar en el mundo. Por Ale Simonazzi Pasaron más de veinte años desde aquellas noches en La Revuelta, sobre Álvarez Thomas, cuando Latinaje era parte de una escena que se renovaba con potencia y en la que el jazz presentaba nuevos y potentes agrupaciones. Volver a escuchar a la big band de Guido Martínez en Café Berlín, el domingo 21 de diciembre, no fue un ejercicio de memoria: fue una confirmación en presente. La sala estuvo llena, el clima fue de celebración, hasta algunos espectadores abandonaron las mesas para bailar. Cuando el groove está encendido y los arreglos respiran, el cuerpo entra a la conversación sin pedir permiso. Latinaje siempre tuvo algo de equipo. En sus primeras épocas, la imagen de las camisetas amarillas numeradas funcionaba como una declaración estética y también como una forma de pertenencia: once músicos pensando y tocando como un solo organismo. En esta vuelta, el detalle se actualizó con casacas amarillas, nombres en la espalda y el símbolo volvió a funcionar: lo que pasa arriba del escenario no es una suma de lucimientos individuales, sino una maquinaria colectiva donde cada engranaje importa. Una de las claves para entender por qué Latinaje suena así —sólido, grande, pero nada acartonado— aparece en la transcripción de la charla que tuvimos con Guido Martínez y Alejandro Manzoni. Guido cuenta que compone imaginando personas concretas: no escribe “para trompeta” o “para piano”, sino para ese músico, con su sonido y su carácter. Incluso piensa introducciones, melodías y espacios de improvisación según quién va a tocar. Esa forma de escribir hace que la música ya nazca con identidad humana adentro, y que la orquesta no suene como un formato genérico sino como una banda con ADN propio. Él mismo lo plantea: aunque el lápiz lo tenga uno, la composición termina siendo “en conjunto”, porque cada integrante aporta una personalidad reconocible. Guido también explica su método de trabajo: las ideas aparecen desde el piano y la computadora, y luego se transforman en orquesta, con escritura y arreglos que ordenan el material sin apagar el juego. Eso se escuchó claramente en Café Berlín. Los pasajes de ensamble tuvieron precisión y empaste, pero siempre con aire; los solos aparecieron con libertad, sostenidos por una base que nunca se desarma. Es el equilibrio difícil: disciplina para que la música vuele, y vuelo para que la disciplina no se vuelva rigidez. La formación de lujo de la banda: Guido Martínez (bajo, composición y dirección), Daniel “Coqui” Di Doménica (trompeta), Juan Cruz de Urquiza (trompeta), Santiago Castellani (trombón), Gustavo Musso (saxo alto), Damián Fogiel (saxo tenor), Martín Pantyrer (saxo barítono), Alejandro Manzoni (piano), Matías Tozzola (guitarra), Javier “Turco” Mokdad (percusión) y Daniel “Pipi” Piazzolla (batería). Con ese equipo, el concierto tuvo una cualidad contagiosa: el disfrute. Se disfrutaba desde las mesas y, sobre todo, se veía disfrutar a los músicos. Hubo una comunión genuina entre escenario y público, esa sensación de que la música no se “presenta” sino que se comparte, y que cada aplauso vuelve a la banda en forma de energía. El repertorio tendió puentes entre etapas. Sonaron temas como “La Conversa”, “Influência Bosco” —un homenaje a João Bosco— y “La Masita”, y también aparecieron composiciones nuevas que apuntan a un tercer disco. En particular, “La Conversa” cargó con un plus de sentido: en la charla, Guido recuerda que ese material se grabó en vivo, tocado de corrido, y que por eso conserva esa sensación de organismo en movimiento, con la intensidad del momento. En Berlín, esa energía volvió a manifestarse de manera directa: lo que Latinaje hace mejor es sonar como un cuerpo grande que se mueve con naturalidad. También apareció, como telón de fondo, la historia del paréntesis. Guido cuenta que hacia 2005/2006 quedó material grabado sin terminar y que, entre la vida y la logística de sostener un grupo grande, apareció el “miedo” lógico de mantener esa estructura en marcha. Pero la vuelta no llegó por impulso nostálgico: llegó porque el interés por esa música nunca se apagó. Y ahora el horizonte está claro: de a poquito, van armando repertorio para grabar un nuevo disco. En un país y en un tiempo donde cuesta sostener proyectos, ver a once músicos reencontrarse con esta calidad y esta alegría tiene un valor especial. La noche en Café Berlín dejó una sensación muy concreta: nadie quería que terminara. No sólo por la música en sí, sino por lo que la música habilitó dentro de la sala: un domingo transformado en fiesta, un público que baila, una banda que toca con solvencia y placer, y la certeza de que Latinaje, cuando vuelve, no vuelve a repetir: vuelve a decir algo nuevo con la misma identidad. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

El músico correntino tiene listo su octavo álbum que verá la luz a mediados de 2026. Pero antes, en los míticos Estudios ION, lo presentó ante amigos, colegas y personalidades del medio con una escucha exclusiva y una charla junto al productor Victor Volpi.  Por Florencia Meluso – Fotos: Malú Campello @malucampello Yacaré Manso es un referente de la música litoraleña actual. Afincado hace ya dos décadas en Buenos Aires tiene una extensa trayectoria como músico, productor y agitador cultural. Siempre inquieto, con ideas que materializa con mucha pasión y priorizando la tracción colectiva, nos invita a abrir nuestro corazón a estas nuevas canciones que trae bajo el brazo donde plasma sus sentires en este último tiempo.  “Un poco demasiado” – del grito a la escucha del alma – reza la postal con que fuimos recibidos antes de ingresar al icónico estudio por donde pasaron cientos de figuras de nuestra música popular. El trabajo consta de nueve temas propios, donde el artista vuelve a sus raíces rockeras y a utilizar sintetizadores sin perder la esencia de su región y su fuerte conciencia ambiental. “Un disco que nace en movimiento. (…) Yacaré Manso se entrega a otros pulsos y otras luces, encontrando nuevas formas de respirar la música” concluye la tarjeta. Además, se rodea de invitados de lujo: Kevin Johansen, Vale Acevedo, Los Tipitos, Bersuit y Ave Pez aportan sus colores a las nuevas obras. Después de “Eucalipto” (2023), nuevamente Victor Volpi está al mando de la producción. Con Volpi lograron una sociedad genuina y cercana y un entendimiento que se nota en la búsqueda de este nuevo sonido.“Los buenos días” es el primer adelanto en el que participa Bersuit y que ya está disponible en las plataformas, para ir saboreando lo que será el disco completo. Una canción de redención con las voces de Cóndor Sbarbati y Dani Suárez perfectamente amalgamadas. En cuanto al evento, la escucha se dividió en tres momentos de tres canciones cada uno. El orden no fue el del disco, pero sí hubo un cuidado en los climas. Luego de cada momento, hubo oportunidad de responder a preguntas de quienes estábamos presentes con la moderación de Damián Muñoz. En un ambiente de encuentro, cariño y respeto el intercambio sumó anécdotas sobre la grabación, las letras y la inspiración.  Según el propio Yacaré “Después de llegar al fondo del río, lo único que quería era subir al monte”, esta metáfora que tiene a su paisaje natal como escenario en “Los buenos días” simboliza el tocar fondo hace un par de años y cómo pudo reconstruirse con la música como faro y forma de sanar.  Hay mucho de revisar, de homenajear a personas importantes en su vida (como lo ha hecho otras veces), de resiliencia, de enamoramientos y desencuentros en la obra de este compositor que sigue abriéndose camino. Como dijo también en la charla, no hay una búsqueda de canciones para que suenen en la radio según las tendencias o que cumplen estándares para ser incluidas en una playlist. El algoritmo no manda en la obra que tiene una cuidada estética, arreglos impecables, cuerdas que remiten un poco a aquel primer disco “La corriente” aunque a la vez se despega de esa faceta de folclorista con la que tanto se lo asocia. Yacaré Manso no le teme a lo distinto y a tirarse de cabeza a nuevos sonidos en los que se siente cómodo.  La idea es ir lanzando singles mensualmente en la primera mitad del año próximo hasta llegar al disco en julio. “Todo de mí”, “Antes que salga el sol”, “Once”, “No quiero verte más”, “Puedo percibir” son algunos de los títulos. Habrá que esperar el próximo estreno para seguir degustando este plato que se sirve de a poco y que es puro disfrute.  Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

El ciclo creado por Gabriel Plaza y Claudia Regina Martínez, nacido este año en el bar notable Los Galgos, cerró su primera temporada con un festival a sala llena en Galpón B. Con Juan Falú como anfitrión y una ronda de cantoras y músicos de distintas generaciones, el cierre fue una celebración sin apuro: mesas en escena, cruces espontáneos y un repertorio que volvió a recordarnos que la música de raíz es presente. Por Ale Simonazzi Luego de un martes de trabajo intenso, cuesta tomar envión para estirar el día. Uno mira la hora, negocia con el cansancio, y el cuerpo pide sillón. Pero hay planes que tientan y, por suerte, uno sigue eligiendo caer en la tentación. Ritual Criollo —esa “buena idea”, como dijo Juan Falú— cerró el año con un concierto que juntó a buena parte de lxs músicxs que durante 2025 le dieron vida al ciclo. Y ahí fuimos: a comprobar, una vez más, que la música popular funciona como combustible del alma. Ritual Criollo es una iniciativa impulsada por lxs periodistas Gabriel Plaza y Claudia Regina Martínez. La premisa, dicha sin vueltas, es recuperar “la bohemia, la intimidad y la emoción” de las guitarreadas argentinas, pero en plena Buenos Aires, con cercanía real y espíritu de encuentro. Durante el año, el refugio fue Los Galgos, con dos o tres fechas mensuales, y una idea que creció en convocatoria y diversidad regional sin perder el corazón de ronda. Para el cierre, el ritual se mudó, de ciclo a festival, y de Los Galgos a Galpón B en el barrio porteño de San Cristóbal. No fue un detalle logístico: Galpón B es un espacio cooperativo del circuito independiente porteño, y esa identidad —lo autogestivo, lo comunitario, lo cálido— se sintió en todo momento. Párrafo aparte para las empanadas de carne, y la buena onda de toda la gente de Galpón B. A sala llena arrancó el encuentro con el Dúo Bote: un encuentro exquisito entre la voz de Flor Bobadilla Oliva y la guitarra de Abel Tesoriere. Dos temas y un viaje directo a un mapa del Paraguay que, sin explicaciones, nos estaba diciendo algo del espíritu del festival: raíz no como museo, sino como tránsito. Después apareció quien, por historia y por presencia, estaba llamado a oficiar de anfitrión: Juan Falú. Su nombre viene ligado al ciclo desde el principio, y también a esa noción de guitarreada donde conviven música, palabra, silencio y humor. El arranque fue con una versión hermosa de “La vieja” (chacarera trunca de Adolfo Ábalos y Benicio Díaz), y con eso alcanzó para marcar clima: supimos que iba a ser una noche de escucha cercana. Así se fue armando la rondam con naturalidad se sumaron cantoras que hicieron una celebración de nuestra música. Mora Martínez, Florencia Bernales, Victoria Birchner, Julia Moscardini, Nadia Szachniuk y Silvia Iriondo: distintas estéticas, un mismo compromiso con el cancionero y con la interpretación sentida. Se dieron dúos, tríos, cruces, y más invitadxs: Rudi Flores, Manu Sija, Mariano Loiácono, Seva Castro y el cantor tucumano Claudio Sosa, entre otrxs. Un hermoso aciertos fue la mecánica escénica: había mesas sobre el escenario y lxs músicxs se quedaban ahí, acompañando la guitarreada desde la misma escena. Esa decisión desarmó cualquier tensión típica del recambio y dejó que la música respirara como en una casa grande. Fueron llegando canciones como quien va sacando postales del bolsillo: “Zonko querido”, “Mi pequeño amor”, “El marne”, “Garzas viajeras”, “Canción de lejos”, “Zamba del arribeño”, “Rosario Pastrana”, “Coplas para la luna”… y hasta un guiño de jazz (“Blue Moon”) en diálogo de guitarra y trompeta, como para recordar que la tradición también sabe abrir ventanas. Lo que se celebró no fue sólo una grilla potente: se celebró una manera. En tiempos donde los espacios culturales se achican y la difusión se vuelve más escasa, Ritual Criollo se pensó —y se sostiene— como un refugio para la música de raíz, con una mirada amplia del folklore, lejos del estereotipo. En palabras que circularon en la previa, la propuesta busca que quien asista no sólo “escuche”, sino que se reconecte con algo identitario que a veces queda dormido, y que el encuentro lo vuelve posible. El cierre juntó a todxs en “Serenata para la tierra de uno”. Y todos cantamos “Porque me duele si me quedo, pero me muero si me voy” con el peso de lo colectivo, con la canción leyendo el clima de época. Se cantó fuerte, juntos. Se cantó con esa alegría provoca el abrazo cuando más se lo necesita. Ritual Criollo cerró 2025, con promesa de continuidad del ciclo en Los Galgos, y el deseo de que esta celebración vuelva a encontrarnos en 2026, con más voces, más rondas y el mismo espíritu de cercanía. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

Gustavo Nasuti Grupo presentó “Siete años”el segundo trabajo con esta formación en Casa Sonora a sala llena, demostrando que se puede resistir con el arte como bandera desde el Conurbano. Por Florencia Meluso – Fotos: Natalia Moriones El multi instrumentista y compositor oriundo de Ituzaingó eligió Casa Sonora, espacio que dirige artísticamente para presentar en sociedad el nuevo disco junto a Waldemar Garín en violín y viola, Mariano Gamba en saxofones, Ramiro Rey en bajo y contrabajo y Gabriel Loto en batería. En la calurosa noche del viernes 5 de diciembre, fuimos partícipes de una comunión. “Común – unión” entre público y artistas. Primera vez de esta cronista en este centro cultural que desde el Oeste ofrece propuestas muy cuidadas y un espacio para talleres durante la semana. Señal de que en el Oeste no sólo está el agite sino que se puede construir trinchera para resistir en tiempos adversos. Ya en modo concierto, Nasuti decidió iniciar con la “Obertura” de Kenny Wheeler, compositor al que dijo admiraba mucho. No será la única referencia durante la noche, ya que las influencias están muy presentes en el repertorio. Ahora si, es tiempo de escuchar “MaMa” el tema que abre Siete años, el disco que estamos celebrando. Le sigue “Danza del agua” y “Los zoquetes de Bates”, también de este último trabajo discográfico. El quinteto suena afiladísimo, la comunicación es la de una familia que hace mucho tiempo conviven y conocen al detalle cada gesto. Es entonces que Gustavo presenta un tema nuevo, aún inédito y con un nombre provisorio: “Color” en formato trío con el contrabajo de Ramiro Rey y la batería de Gabriel Loto. Los climas van mutando y las formaciones también: “Huellita de Charbo” con Nasuti en guitarra a dúo junto al saxo soprano de Mariano Gamba (con quien también comparte otro proyecto). Otro dúo, para “Corazón del tiempo” junto a la viola de Waldemar Garín y Nasuti esta vez en el piano. En el medio, suenan las únicas dos canciones del repertorio y de Siete años: “Gurisito” de Daniel Viglietti y “El loco Antonio” de Alfredo Zitarrosa. Si el inglés Kenny Wheeler es alguien admirado, estos grandes referentes uruguayos son de los más queridos y venerados por estas tierras. El no-tango “Abuelo Osvaldo” está dedicado a su abuelo simbólico Don Osvaldo Pugliese. La historia viene de su padre, quien tenía un amor especial por el tango, y en particular por Pugliese. Pero la elección musical de Nasuti fue más por el lado de Hermeto Pascoal y Egberto Gismonti. Así las cosas, qué mejor que un revuelto de influencias para homenajear a un grande de nuestra música popular. “Décimas”, incluido en Todos los tiempos ahora (2015) se transforma en casi una despedida. Es importante destacar que durante el concierto, no faltaron las anécdotas, la emoción, algunos chistes, los agradecimientos y los aplausos, por supuesto. El cierre es con “Encuentro” también de Siete años. Justo ese nombre, esa palabra, esa necesidad que tenemos en este contexto y que en Casa Sonora es posible con propuestas como la del Gustavo Nasuti Grupo. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

La histórica banda de rock progresivo publica Corre hacia tu vida, un nuevo álbum conceptual que cuenta en canciones el recorrido de una generación con “media vida en el siglo XX y media en el XXI”, como dice Juan “Pollo” Raffo. El disco sale en CD a través del sello Viajero Inmóvil, estará disponible en plataformas vía la Agregadora de Música Argentina (AMA), y se presenta el sábado 20 de diciembre en Cuerda Mecánica. Por Ale Simonazzi “Corre hacia tu vida es el nombre del tema, pero también el nombre del nuevo trabajo de Trigémino”, cuenta Juan “Pollo” Raffo en la charla con Revuelto. El álbum llega después de décadas de historia: aquellos primeros conciertos entre 1976 y 1981, en plena dictadura, cuando el grupo se movía por colegios, teatros y salas del oeste bonaerense, sin lograr en aquel momento registrar su música en un disco. “El primer concierto fue el 7 de mayo del 76… el año que viene se van a cumplir 50 años”, recuerda, todavía sorprendido de cuánto tiempo pasó desde ese debut adolescente. Hoy Trigémino vuelve con un sonido maduro y una formación de lujo: Juan “Pollo” Raffo en teclados y voces, Jorge Minissale en guitarras y voces, Fernando Samalea en batería y percusión, Lalo Calello en bajo y Héctor “Cote” Conrado en voces. El nuevo álbum, que se edita en CD el 19 de diciembre vía Viajero Inmóvil y llegará también a plataformas a través de AMA, propone una secuencia de ocho temas donde se alternan secciones cantadas y desarrollos instrumentales largos, fieles al ADN progresivo del grupo. Raffo lo explica con claridad: “Una de las cosas que son bastante características es la igualdad de peso entre las secciones cantadas y las secciones instrumentales. Las partes instrumentales no son decoraciones ni interludios para descansar: tienen un peso narrativo a la par de las secciones cantadas”. Esa decisión estética sostiene el carácter conceptual del disco: música y palabra tiran para el mismo lado, cada arreglo empuja la historia un poco más adelante. Esa historia es la de una generación que atravesó dictadura, 2001, medios hegemónicos y cambios de época. “Hay una secuencia en este disco que tiene que ver con episodios que de alguna manera nuestra generación ha vivido. Es como si le pasaran a un personaje que nunca se nombra, que podría ser cualquiera de nosotros, los que tenemos media vida en el siglo XX y media en el XXI”, dice el Pollo. Desde esa mirada, los temas abordan la música como rito de pasaje adolescente (Corre hacia tu vida), el horror del terrorismo de Estado (El cuarto gol), la primavera democrática (Cosecha), las ausencias (Luz ausente), los estallidos sociales (Suma cero), la desinformación mediática (El mensajero del atardecer), la violencia del “todos contra todos” (Tu pesadilla gira) y una despedida serena en La espectral confesión. En la charla, Raffo se detiene en algunos ejemplos. Sobre El cuarto gol cuenta: “Es una canción muy cortita en la cual un conscripto está haciendo guardia en un hangar de la Aviación Naval y lo relevan para que no vea cómo embarcan un vuelo. Es una historia que a mí no me pasó, pero me pudo haber pasado, porque yo estaba en ese tiempo y en ese lugar”. En pocas líneas se condensa el clima de terror de los años más oscuros de nuestra historia. Corre hacia tu vida, el tema que abre el álbum y le da título, también trae un guiño a la educación sentimental rockera de la banda: “En esa letra el estribillo son frases sueltas; cada una de esas frases se puede ubicar, rastrear en canciones de rock argentino que nos formaron. Está muy bien: estamos hechos de esas canciones”, dice el Pollo, con gratitud y sin nostalgia melancólica. Hay, además, una reflexión sobre la propia identidad musical de esta “nueva etapa” de Trigémino. Después de la reunión que dio lugar a Trampas para engañar –el disco donde regrabaron material de los 70 buscando ser “muy fieles a ese pibe de 17 años”–, el grupo se lanzó a componer música nueva en colaboración. “Se genera un ente aparte en estas composiciones. No está tan presente de forma obvia lo que hemos hecho cada uno por separado. Vuelve el grupo”, explica Raffo. Dentro de ese universo aparece El mensajero del atardecer, el tema cuyo video acaba de estrenarse y que compartimos en esta nota. El Pollo lo define sin vueltas: “El mensajero del atardecer es el fulano del noticiero. Es el tipo que viene a desmoralizarte y a desinformarte: el del noticiero de la tele, el de la tarde, o el del scroll en el celular”. Una figura reconocible para cualquiera que haya enfrentado la catarata diaria de titulares, zócalos y clips que moldean la percepción de lo real. El lanzamiento de Corre hacia tu vida se celebrará el sábado 20 de diciembre a las 20:30 en Cuerda Mecánica (Juramento 4686, CABA). No será un recital eléctrico, sino un encuentro cercano. “Vamos a estar ejecutando piano acústico, guitarras acústicas, percusión y voces; una versión informal y cercana, en un lugar hermoso que es Cuerda Mecánica”, adelanta Raffo. Y agrega una idea que nos encanta: “Estamos viendo la posibilidad de hacer una apuesta tipo living, con el público junto con nosotros, como si el escenario fuera una sala compartida”. En Revuelto Radio podés ver la entrevista completa con Juan “Pollo” Raffo, una buena oportunidad para reencontrarse con Trigémino, esa banda que nació en tiempos difíciles y que hoy vuelve a sonar fuerte para contar, a su modo, esta vida entre dos siglos. Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON

El cantautor cordobés, radicado en Buenos Aires hace ya dos años, dice que lo han recibido con mucha generosidad sus pares porteños. Es por eso que decidió iniciar los festejos con dos conciertos: el primero en CABA el sábado 29 de noviembre pasado en el Cultural Thames y el segundo el viernes 5 de diciembre en su Córdoba natal en el Centro Cultural Platz. En ambos casos muy bien acompañado por referentes de sendas escenas. Por Florencia Meluso – Fotos Oner Raw @oner.raw   En el caso de CABA, al llegar al Thames sabíamos que iba a ser una noche de reencuentro con amigos, tanto arriba como abajo del escenario. La música y la poesía inundaron el lugar. Hubo momentos para emocionarse, para cantar con la garganta a tope, para los silencios, la ternura, las risas y los abrazos.  Al frente de La Sin Fín, arrancó el set con “Inundación” e “Instante de claridad” dos temas de su último disco Un temblor ahora en formato banda. Ya entonces el clima era de fiesta, cuando Lucas invitó a subir a Rodrigo Carazo y a Luna Sujatovich para deleitarnos con “Corazón”, también de Un temblor. A lo largo del repertorio, cada canción propuso un viaje, hacia adentro y en comunidad. Por eso nada más lindo que dejarse llevar, dejando de lado las pantallas y disfrutar el aquí y ahora sin distracciones.  Algunas canciones más en formato banda, entre las que estuvo “Te llaman” dedicada a su madre en ese momento de partida a la distancia que nos hizo lagrimear. Es ahí que Carazo y Sujatovich regresan pero ahora por separado para hacer “Adentro hay un jardín” y “Onironauta” respectivamente. La primera, que da nombre al disco debut de 2010, contó con una curiosa anécdota de Rodrigo sobre cómo se habían conocido y la mutua admiración que se tienen. La segunda que cierra esa misma placa contó con la potente voz de Luna para meterle mucho groove. Es el momento de Aranzazu Vigorena para hacer a dúo “Un jardín”. Ese jardín de abrazos que bien podría ser el de la tapa de Un temblor. Si con esto no fue suficiente emoción y ternura, llega Flor Ruiz para compartir “Niño nube”, dedicada a su hijo Mateo, del disco Los nacimientos.  Al dirigirse al público, Lucas volvió una y otra vez sobre la importancia que tuvo para él que lo hayan hecho sentir como en casa desde que llegó a Buenos Aires. Flor Ruiz, Luna Sujatovich, y ahora Inbal Comedi son parte de esa tribu porteña elegida. Inbal entonces canta “Aire” y “Viento a favor“ maravillosamente junto a Heredia.  Y hablando de influencias, un faro para él fue Lucio Mantel, quien se sumó en “Vidala del árbol”. La conexión fue absoluta. Música de raíz folklórica con la delicadeza sonora de dos voces que se funden en una sola. A esta altura, ya sabemos que va a ser muy difícil resumir 15 años de discografía en dos horas de concierto con tantos invitados. Llegan “Telar” con Diego Marchionatti y “Raíz” con Jero Verdún sumando sus colores a estas obras.  Ahora a Lucas le brillan los ojos porque está presentando al próximo invitado “la voz más importante en MI vida”: Mateo Heredia. Con tan solo 7 años, Mateo interpreta a la perfección “Mariposa Technicolor” (Fito Páez) con una soltura que nos deja boquiabiertos.  Sigue una canción propia y ahí nomás La Sinfín nos asombra con una versión rockera de “¡Ah!…Basta de pensar», justamente del disco más acústico de Luis Alberto Spinetta.  Y si hablamos de rockearla, es acá donde se suma Andrea Juárez en el bajo para una versión bien arriba de “Corre” un tema que lo viene acompañando hace tiempo. Cierre con “Deudas del alma” del álbum Luz de cerca. “Yo quiero darle luz con mi voz, para así poder curar las deudas de mi alma” canta Lucas en este temazo.  Un viaje a la medida del inmenso artista que conmueve no sólo con su voz, sino con su decir, con su forma de hacer tribu donde quiera que vaya y con la belleza y la sensibilidad en cada palabra que sale de su boca.  El bis es con todos en el Thames coreando y palmeando “La casa de al lado” de Fernando Cabrera. “Aquí no hay tango, no hay tongo ni engaño”. Es Lucas Heredia y su magia sin fin.   Revuelto Radio — Abrazo de música y palabra. Suscribite a YouTube ➯ https://www.youtube.com/@revueltoradio Sitio oficial ➯ https://www.revueltoradio.com.ar Instagram ➯ https://scnv.io/qIfb Mandanos un WhatsApp ➯ https://wa.me/541138040150 ¡Descargá nuestra #APP! ➯ https://scnv.io/nCON