Revuelto

Entredicha. Entre umbrales y voces: una invitación al entrevero creativo

Una casa de ideas para la música, las artes y el pensamiento compartido Hay algo profundamente humano en habitar los umbrales. Estar entre un antes y un después, entre la certeza y el misterio, es un acto que no se decide, sino que se siente. Los umbrales son espacios suspendidos donde se aflojan las certezas y las palabras se vuelven aire, canción, murmullo. Como el gato que juega a desenfantasmar contornos, o el pájaro que agita el aire con su canto, los umbrales son lugares de tránsito, de encuentro. En el universo digital de las ideas, ahora existe una casa para habitar ese espacio: Entredicha, una revista trimestral y gratuita para explorar los territorios de las artes, las ideas y la música. Desde siempre, las ideas necesitan un lugar. Un rincón donde germinar, un aire donde volar. Y, aunque el mundo parece tan lleno de ruido, lo que nos convoca aquí es el silencio que ocurre entre dos palabras. Un silencio activo, vibrante, que en lugar de cerrar sentidos abre la posibilidad del encuentro. Así nace Entredicha, una propuesta digital que se define como una «casa de ideas». Una metáfora que, más que estática, se siente elástica y viva: una casa donde las habitaciones cambian de forma según quien las habite, donde el tránsito constante da forma al pensamiento. Aquí no hay un camino fijo ni paredes inamovibles. Cada lector, cada oyente, cada creador que se asome a este espacio tiene la libertad de moldearlo, de imaginarlo junto a otros. En sus páginas virtuales, Entredicha aloja entrevistas, ensayos y exploraciones creativas en torno a la música, la filosofía, el cine, la literatura, el teatro y las artes plásticas. Pero también deja espacio para aquello que no se puede encasillar: una zona de crítica, un sector de podcast y un rincón para producciones en YouTube. Es un espacio libre, gratuito, pensado para lectores curiosos que deseen habitar el «entre» de las palabras, el entrevero de las ideas. La palabra «entre» tiene algo de mágico. Es un espacio que no pertenece del todo a ningún lado, pero donde todo parece posible. Como la tarde en la que un estornino desquicia el mandato del calendario, trayendo el pasado y el futuro al presente en un vuelo lleno de memoria y ligereza. Así funciona Entredicha: un espacio que invita a entremezclarse, a entrebuscarse en las palabras. Aquí no hay certezas ni dogmas, sino un deseo constante de transitar y explorar. Como explica su manifiesto, Entredicha no es una revista de noticias ni un portal de novedades rápidas. Es una propuesta que exige pausa, reflexión, profundidad. Y en esa exigencia se encuentra su mayor riqueza. Porque lo que se busca aquí no es solo el pensamiento en sí mismo, sino la experiencia del pensamiento compartido. Como quien entra a una casa y se sienta a charlar junto a otros, Entredicha propone que las ideas se construyan en comunidad, en ese «entre» que se crea al pensar y dialogar con otros. Entredicha no está sola en esta aventura, entre los espacios a habitar, nos encontremos en la radio con un programa semanal emitido en Revuelto Radio. El programa, como la revista, se inspira en el deseo de construir un espacio común para las artes y el pensamiento, pero con el agregado de las voces, los silencios y los sonidos que solo la radio puede ofrecer. Además, pensando en su proyección a futuro, Entredicha planea ampliarse con cursos, talleres y encuentros de intercambio. Una propuesta que no solo invita a leer o escuchar, sino también a participar activamente en la creación y el debate. ¿Por qué una casa así es urgente hoy?En tiempos donde las escrituras muchas veces se apresuran en su entusiasmo inicial pero carecen de perseverancia, y donde el pensamiento parece naufragar en mares secos, Entredicha propone recuperar el valor del proceso. Su apuesta es ética y estética: una invitación a construir un espacio donde la reflexión no solo sea posible, sino urgente y deseada. Marsilio Ficino, en el Renacimiento, afirmaba que «el Universo es luz desparramada». Hoy, en este rincón del mundo digital, Entredicha busca encender una chispa de esa luz en cada lector, oyente o creador que se anime a transitar sus páginas. Una invitación abiertaOjalá sean muchos quienes se animen a habitar esta casa. Que juntos podamos construirla y reconstruirla, cambiarle las circulaciones, hacer que las palabras encuentren siempre nuevos significados. Que el pensamiento no se estanque en las certezas, sino que fluya como un río que nunca cesa de transformarse. Porque, al final, eso es lo que nos define: la capacidad de habitar los umbrales, de transitar el entrevero, de ser audaces y leves al mismo tiempo. Como el estornino que hereda un pasado enorme pero se proyecta hacia un futuro lleno de ligereza y pasión. Entredicha ya abrió sus puertas. Solo falta que te animes a cruzar el umbral.

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Franco Luciani presenta “Diez piezas breves para armónica cromática”. Un aporte monumental a la música argentina.

El armonicista rosarino, reconocido como uno de los máximos exponentes de la armónica cromática a nivel mundial, presenta una obra que trasciende formatos: un álbum que también es material de estudio y una invitación a descubrir nuevas posibilidades para este instrumento. Disponible en todas las plataformas digitales, esta propuesta refleja su esencia como intérprete, compositor y docente, al tiempo que amplía los horizontes de la música argentina. Por Ale Simonazzi Franco Luciani es, sin duda, uno de los músicos argentinos más destacados de su generación. Recorre escenarios de todo el mundo, y se ha consolidado como una referencia indiscutida en la interpretación de la armónica cromática. En “Diez piezas breves para armónica cromática”, su más reciente trabajo, Luciani se presenta como algo más que un virtuoso intérprete. Aquí despliega su talento como compositor y docente, ofreciendo una obra que combina la profundidad de la música argentina con una intención pedagógica clara: acercar el estudio de la armónica cromática a estudiantes y profesionales de todo el mundo. El proyecto tiene un doble propósito: se trata disco muy disfrutable y, además, un material de estudio especializado. Las diez piezas que lo componen están concebidas para armónica cromática sola, explorando con delicadeza y maestría los ritmos tradicionales de la música argentina. Las partituras de estas obras, disponibles a través de Google Play Libros y la editorial Mil Campanas, y los videos en el canal de YouTube de Luciani, completan una propuesta integral que apunta a enriquecer el repertorio de este instrumento. La edición de este álbum fue realizada por Epsa Publishing y Acqua Records. Cada pieza es una ventana a los paisajes sonoros de nuestra Patria. Desde la profundidad melancólica de un tango hasta la vitalidad rítmica de una chacarera, Luciani logra capturar la esencia de las tradiciones musicales argentinas y traducirlas a un lenguaje que, aunque anclado en lo local, tiene un alcance universal. Franco Luciani es reconocido por la calidad y originalidad de su trabajo, entre sus distinciones destacan el Premio Gardel en 2015, 2018 y 2021; el Diploma al Mérito Konex como “Instrumentista Destacado 2005-2015”; y el Premio Revelación y Consagración del Festival de Folklore de Cosquín, en 2002 y 2010. Además, su talento ha sido reconocido internacionalmente con nominaciones a los Latin Grammy en 2022 por “Milonguero” junto al Pablo Motta Ensamble, y en 2024 por “Tangos Cruzados”, en colaboración con el pianista italiano Fabrizio Mocata. Más allá de los premios, Luciani compartió su música con artistas como Mercedes Sosa, Egberto Gismonti, Lila Downs, Fito Páez y Pedro Aznar, entre otros. Cada colaboración ha sido una oportunidad para expandir los límites de su instrumento, llevándolo a territorios sonoros inexplorados. Uno de los grandes méritos de Luciani es haber llevado la armónica cromática a un lugar de protagonismo en la música argentina, tal como lo hiciera Hugo Díaz. Su enfoque combina un profundo respeto por las raíces del folklore y el tango con una sensibilidad contemporánea que dialoga con públicos de todo el mundo. “Diez piezas breves para armónica cromática” no solo confirma el lugar de Franco Luciani como uno de los máximos exponentes de su instrumento; también sienta las bases para un legado que seguirá inspirando a futuras generaciones de músicos. En un tiempo donde las tradiciones parecen desdibujarse frente a los embates de la globalización, propuestas como esta nos recuerdan el valor de mirar hacia nuestras raíces para encontrar nuevas formas de expresión. Luciani nos invita a un viaje que es, al mismo tiempo, un regreso y una exploración: un regreso a la esencia de nuestra música y una exploración de todo lo que aún queda por descubrir.

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El Dúo Piscitelli-Gómez Saavedra estrenó en su canal de YouTube el concierto presentación de Pirca en la UNLP

El 3 de junio de 2023, Juan Pablo Piscitelli y Patricio Gómez Saavedra compartieron su música en el Centro de Arte de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), dando vida a la presentación oficial de Pirca, el segundo álbum del dúo tucumano que ahora está disponible para que podamos ser parte del universo íntimo y potente que los músicos construyeron sobre el escenario. Por Ale Simonazzi El Centro de Arte de la UNLP se transformó aquella noche en un espacio donde los paisajes del noroeste argentino cobraron vida a través de las guitarras de seis y siete cuerdas, acompañadas por la voz invitada de Octavio «Tato» Taján. Pirca, que en quechua refiere a las tapias de piedra que delimitan y sostienen los muros rurales, es un título que sintetiza a la perfección el espíritu del disco: un ensamblaje de sonidos y emociones que se sostienen mutuamente, evocando lo rural y lo urbano, lo individual y lo colectivo. El concierto fue un despliegue musical y una experiencia visual enriquecida por las fotografías proyectadas de Rico Sumalave y Betsabé Spinoza Mondatti, que acompañaron cada pieza. Esos registros capturaron no solo paisajes tucumanos sino también escenas cotidianas que conectan con las historias contadas a través de las cuerdas y las voces. Un repertorio que cruza mundos El concierto inició con Algo así, una pieza que refleja el espíritu colaborativo y artesanal del dúo. Con letra de Mariano Barrionuevo y música de Piscitelli, es una apertura que sienta las bases de lo que será el recorrido: un viaje sonoro que transita entre lo instrumental y lo vocal, entre lo tradicional y lo contemporáneo. A esta le sigue Aún, una composición instrumental de Piscitelli un diálogo íntimo de las guitarras, evocando la calma y la inmensidad de los paisajes norteños. Con Pirca, composición de Gómez Saavedra que da nombre al álbum, el dúo introduce una cueca instrumental que pisa simultáneamente el terreno de la tradición y la innovación. Agua, con letra de Raúl Feroglio, y De solo estar, ambas músicas de Piscitelli, introducen una calidez vocal y una melancolía que, junto a la interpretación de Taján, encuentran un equilibrio perfecto. Estos temas resuenan como un eco de historias pasadas, recuerdos y la certeza de que la música tiene el poder de resignificar las emociones. El recorrido continúa con Cromaticatus y Luz desaparecida, dos composiciones de Piscitelli que oscilan entre el virtuosismo instrumental y la introspección. Perros callejeros, con letra de Gabriel Gómez Saavedra, cierra el concierto con una energía diferente: un canto a lo cotidiano, a lo marginal y a las historias que también forman parte de nuestra memoria colectiva. El cruce entre arte y comunidad El dúo Piscitelli-Gómez Saavedra se ha caracterizado desde su inicio en 2009 por un trabajo que trasciende la mera interpretación musical. Pirca es la manifestación de un compromiso profundo con la memoria, con los paisajes que los vieron crecer, y con una identidad sonora que honra el legado del folklore argentino mientras construye nuevos caminos. Detrás del concierto también hubo un gran equipo que lo hizo posible. La grabación en vivo estuvo a cargo de Florencia Urruttia y estudiantes de la Tecnicatura Universitaria en Sonido y Grabación de la UNLP, sumando así un componente comunitario que refleja el espíritu colaborativo del dúo. La edición y mezcla fueron realizadas por Juan «Ponche» Abraham en Nakao Estudio, mientras que la edición de video estuvo a cargo del propio Juan Pablo Piscitelli.

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El grito de la Fierro: el vinilo de “Basta” y dos noches inolvidables.

La Fernández Fierro lanza su séptimo álbum en vinilo con una celebración especial en el CAFF. Música, imágenes y poesía se encuentran en un espacio donde todo converge: tango, rock y Buenos Aires. Por Ale Simonazzi La Fernández Fierro no necesita presentación. Se trata de una una orquesta que durante más de dos décadas es referente de un tango actual vivo y una potencia desgarradora. “Basta”, su séptimo álbum de estudio, llega ahora en formato vinilo, y la Fierro celebra con dos noches especiales en su casa, el Club Atlético Fernández Fierro (CAFF). El miércoles 18 y jueves 19 de diciembre en el CAFF, habrá una puesta multidimensional con la muestra fotográfica de Fabio Saltarelli y Bárbara Raiker con un vistazo íntimo a las sesiones de grabación y el arte de tapa de “Basta”, la DJ, cantante y compositora, Barby Aguirre pondrá a girar vinilos poniendo clima a la noche. Habrá también feria de libros y fanzines, cerveza artesanal y, como cierre, la potencia que identifica a los conciertos de la Fierro. Un disco para decirlo todo«Basta» es un manifiesto o tal vez una advertencia. El álbum, producido por el contrabajista y director de la orquesta, Yuri Venturin, es un reflejo de los tiempos ásperos que atravesamos. Con composiciones propias y aportes de autores contemporáneos como Palo Pandolfo, Alfredo Rubín, Lele Angeli, Tape Rubín y Santiago Bottiroli, el disco expone las contradicciones y complejidades de la realidad, sin adornos ni concesiones. Este trabajo marca además el debut discográfico de Venturin en la voz, un giro que añade nuevas capas de expresividad al sonido de la Fierro. Su registro grave y visceral se fusiona con las cuerdas, el piano y el bandoneón, creando un paisaje sonoro que, aunque profundamente tanguero, abraza el espíritu del rock. Como explican en la Fierro, “Basta suena rockero sin guitarras, sin batería, sin pose. Suena rockero porque busca lo esencial, lo que quema, lo que golpea directo.” El repertorio del disco es una travesía. Desde “Diciembre”, un instrumental que evoca las luchas populares, hasta “Cabeza de Platino”, la reinterpretación de un clásico de Don Cornelio que reverbera con una fuerza nueva. “Esquina” explora la criminalización del ocio con riffs intensos, mientras que “Viejo Rocker” desnuda la tragedia del paso del tiempo. Entre tangos frenéticos como “40 Grados” y obras maestras como “Milonguética”, el álbum no deja respiro. El trabajo de mezcla y mastering estuvo en manos de Walter Chacón y Daniel Ovie, respectivamente, quienes lograron una sonoridad que amplifica la esencia visceral del grupo. “Sabíamos que teníamos un gran disco, pero al terminar la mezcla, nos dimos cuenta de que era algo más”, comentan desde la Fierro. Una historia de rebeldía y autogestiónDesde su nacimiento en 2001, la Fernández Fierro ha desafiado no solo las convenciones del tango, sino también las reglas del mercado musical. Editan sus propios discos, gestionan el CAFF y hasta tienen su propia radio online, Radio CAFF, desde donde amplifican voces y sonidos independientes. Esta autonomía no es un detalle menor. Es el resultado de una apuesta constante por sostener un proyecto colectivo en un contexto adverso. Y es también lo que les ha permitido llevar su música a Europa, Oceanía y América Latina, sin perder jamás la conexión con el pulso de Buenos Aires. Dos noches especiales con la FierroLa presentación del vinilo “Basta” en el CAFF es una oportunidad imperdible para vibrar con la música de la Fernández Fierro, una experiencia profunda que nos conecta con la ciudad que algunos quieren tapar, ciudad que suena áspera y desgarrante. Además, el acceso es inclusivo: estudiantes pueden acceder con 2×1, jubilados entran gratis y se solicitan alimentos no perecederos para donar a comedores. Una propuesta que, como todo lo que hace la Fierro, trasciende el espectáculo para convertirse en un gesto colectivo. En tiempos donde lo urgente muchas veces silencia lo importante, la Fernández Fierro dice “Basta”. Y lo dice desde el arte, desde la autogestión y desde un tango que no teme ser incómodo, ruidoso y profundamente honesto.

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Corazón de nuestro pueblo: Cecilia Zabala y Lula Bertoldi rinden homenaje a Diego Maradona.

En una pieza cargada de emociones y simbolismo, Cecilia Zabala une su talento con la potencia de Lula Bertoldi para dar vida a “Corazón de nuestro pueblo”, un tributo que entrelaza lo sagrado y lo popular en memoria de Diego Maradona. Por Ale Simonazzi “Corazón de nuestro pueblo” es el segundo single del próximo disco de Cecilia Zabala. Un acto de amor colectivo hacia un ícono inmortal. Acompañada por la inconfundible Lula Bertoldi, guitarrista y cantante de Eruca Sativa, Zabala nos invita a sumergirnos en un paisaje sonoro donde se entrelazan sus raíces musicales con la fuerza y la singularidad de Bertoldi. La canción es un homenaje profundo a Diego Maradona, el eterno 10, quien marcó no solo el rumbo del fútbol, sino también el corazón de generaciones enteras. Compuesta el mismo día de su partida, esta pieza lleva la huella indeleble de esa jornada del 26 de noviembre de 2020, en la que el país entero se paralizó para despedirlo. Cecilia comparte en sus palabras el origen de esta creación: “Nunca pude encontrar un lugar propio en los deportes, pero el día de su partida sentí que se abrió un portal: pude entender la magia del don y su conexión con la belleza, la convivencia de lo sagrado y lo mundano. Esa misma tarde compuse letra y música de ‘Corazón de nuestro pueblo’.” La alquimia de una colaboración especialEl encuentro entre Zabala y Bertoldi potencia las características únicas de ambas artistas. Por un lado, la sensibilidad y los matices sonoros que definen la obra de Cecilia, y por otro, la intensidad y la expresividad vocal de Lula. Juntas logran una mixtura que transita con delicadeza entre lo íntimo y lo explosivo, creando un diálogo entre sus universos musicales. La letra, cargada de agradecimiento y memoria, se eleva con las voces de ambas intérpretes, mientras las guitarras tejen un paisaje sonoro que respira melancolía y esperanza. En palabras de la propia Cecilia: “Yo solo te digo GRACIAS, corazón de nuestro pueblo.” Diego, el mito eternoSe sabe que Maradona trasciende lo deportivo; es un símbolo de lo humano en todas sus facetas: brillante y contradictorio, divino y terrenal. Zabala traduce esta dualidad en una canción que no solo recuerda al hombre que deslumbró al mundo con su magia, sino que también conecta con las emociones de quienes lo lloraron desde los rincones más diversos. Cecilia, quien admite no haber tenido una relación cercana con el deporte, encontró en ese día una conexión inesperada con el legado del astro: “Lo que significó Diego para mi generación, que creció viéndolo jugar, está impregnado en la canción. Es un tributo a la belleza y a la humanidad de quien logró, con su magia, unirnos como pueblo.” Créditos y detalles del lanzamiento“Corazón de nuestro pueblo” fue producido por Cecilia Zabala y cuenta con la participación esencial de César Silva en la grabación, mezcla y masterización. El diseño de portada, obra de Marcela Furlani, complementa visualmente la intensidad y sensibilidad de la canción. Ficha técnica: Cecilia Zabala: guitarras, voz, arreglos.Lula Bertoldi: voz, guitarra, arreglos vocales.Grabación, mezcla y masterización: César Silva.Diseño de portada: Marcela Furlani.Productora: Cecilia Zabala.Distribución: Mundos Music. Un adelanto de “Sagrado rito”Este tema es parte de “Sagrado rito”, el próximo disco de Zabala, que se espera para 2025. El proyecto promete ser un recorrido de colaboraciones con artistas que Cecilia admira profundamente, como Juan Falú, Miguel Cantilo, Yusa y Javier Ruibal, entre otros. Con más de 15 años de carrera y diez discos en su haber, Cecilia Zabala se consolida como una figura clave de la música independiente argentina. Ganadora del Premio Nacional de las Artes en 2018, su obra abarca géneros y fronteras, con un sello distintivo que combina virtuosismo, sensibilidad y una búsqueda constante por lo nuevo.

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Pola Grabinski y su «Tangos en el Patio»: un cumpleaños entre milongas y lazos de río.

Por Ale Simonazzi El 15 de noviembre, la cantante Bárbara «Pola» Grabinski, celebra su cumpleaños en el lugar que ella misma ha hecho suyo: el Club Social Cambalache en San Telmo. Con una mezcla de tango y sonidos del litoral, Pola nos invita a vivir una noche en la que la música y la autogestión se entrelazan en un espacio que resiste y celebra nuestra identidad cultural, con ese aire porteño que también mira hacia los ríos que nos conectan. Con la fecha marcada y los músicos listos, «Tangos en el Patio» espera a quien quiera disfrutar de la música popular desde el corazón del Club Social Cambalache, un lugar que va más allá de un simple escenario. Ubicado en la histórica Casa de los Ezeyza en el barrio de San Telmo, este espacio acoge desde 2021 a quienes sienten en la piel el pulso de la música ciudadana, renovada y diversa, tejida entre las raíces del tango y un abanico de sonidos que cruzan la ciudad. Para Pola Grabinski, celebrar su cumpleaños en Cambalache «es como extender el festejo a toda una familia musical que, a fuerza de pasión y de empeño, sostiene vivo el espíritu de un club que se nutre del arte, la historia y la autogestión». Con la misma entrega y creatividad con la que Pola enfrenta sus proyectos, Tangos en el Patio es una manera de explorar el tango desde una mirada actual, respetuosa de la tradición y a la vez atrevida, para enriquecer esa misma tradición con otras perspectivas y sonidos. “Queremos que Cambalache represente esa mezcla de miradas y experiencias musicales. En un momento tan desafiante para la cultura, mantenemos esta bandera en alto: insistimos en un espacio que ofrece una experiencia linda al público y, sobre todo, que permite entender el valor de nuestra música”, cuenta Pola, que ha volcado su energía y creatividad en cada rincón del club, en cada acorde y en cada detalle de los encuentros que se suceden semana tras semana. Tangos y algo más: un viaje por el ríoTangos en el Patio es la puerta de entrada a un universo donde lo popular se abraza con lo íntimo y lo regional. Como lo explica Pola, «la elección de integrar en el repertorio otros sonidos del litoral no es un capricho. Es una suerte de homenaje al Paraná, al vínculo con la música de nuestra tierra, esa que llega desde las provincias y se escucha en Buenos Aires como un recuerdo, pero también como una presencia viva. Lo pensé como un recorrido geográfico por el río; un viaje que empieza con tangos y se transforma en un navegar musical hacia los clásicos del litoral”, dice la cantante. Pola se entrega con alegría a esta noche de canciones que la acompañarán en su propio festejo. Su equipo incluye a Vero Bellini en piano, Alejandro Bordas y Juan Lorenzo en guitarras, y Matías Keller en percusión, músicos con quienes compartirá ese viaje íntimo que cruza el tango y la canción popular, pasando de la nostalgia porteña al aire fresco de los ritmos ribereños. La atmósfera de Cambalache se presta perfecta para el diálogo entre estilos: desde tangos tradicionales hasta canciones del litoral, unidas en un repertorio donde cada nota conecta con un fragmento de historia o de memoria compartida. El desafío y la magia de la autogestiónMantener un espacio como Cambalache no es tarea sencilla. Cada presentación es un acto de resistencia y de celebración que involucra horas de trabajo conjunto, de planificación, de sueños que se comparten. “Los desafíos son muchísimos. En este momento, las convocatorias no son fáciles, por eso creemos en darle al artista un trabajo de producción en conjunto”, cuenta Pola, quien lidera el esfuerzo constante de sostener este espacio cultural. Es un trabajo de cada día, de alianzas con periodistas, de estrategias para dar visibilidad al trabajo de quienes se presentan en el club, de una red que va extendiéndose y creciendo como el público, como la comunidad que se arma alrededor de estos encuentros. Esa red de apoyo y de trabajo, que incluye a cada músico, a los que comunican, al equipo que organiza, a los que asisten, es lo que permite que Cambalache siga latiendo. Porque para Pola, la satisfacción viene en los momentos de pausa, cuando mira el patio lleno y ve que, con cada aplauso y cada sonrisa, el trabajo de tantas manos y corazones toma sentido y forma. Es esta resistencia, esta determinación por mantener viva la esencia del club, lo que da a Cambalache su identidad tan particular, tan suya, tan nuestra. No es un espacio más: es un hogar para la música argentina en sus múltiples expresiones, y su valor reside precisamente en esa mezcla de lo autogestivo con la tradición. Pola no sólo es una cantante exquisita, sino también una anfitriona que sabe recibir a su público, que entiende la necesidad de hacerlos sentir en casa, parte de un lugar que ofrece más que un espectáculo, un espacio de pertenencia. Tangos en el Patio es un reflejo de su propia mirada sobre el tango y la música argentina, una mirada que se atreve a ampliar los horizontes, a explorar lo que la conecta con el resto de los géneros, con otras zonas y otras sensibilidades. Este ciclo también ha logrado unir generaciones y sensibilidades distintas, y para Pola, esa mezcla es el alma misma de Cambalache. “Queremos ofrecer un muestreo de toda la música argentina, desde lo autogestivo hasta las producciones de artistas históricos”, explica. Una noche de celebraciónEste 15 de noviembre, la Pola Grabinski festeja su cumple. Será una noche especial, nos encontraremos con el espíritu de un lugar que ya es icónico, un espacio de arte y de memoria, donde el tango vive y se expande, y donde las músicas de la región son también invitadas de honor en esta fiesta porteña. Cambalache, al igual que quienes lo llevan adelante, resiste con el alma en la voz, con la certeza de que, en cada

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El Río en la Piel: Damián Lemes y Tati Grandolio presentan «Tábanos» en Hasta Trilce

Por Ale Simonazzi Con el litoral en el alma, el jueves 7 de noviembre Damián Lemes y Tati Grandolio llegan a la Ciudad de Buenos Aires para compartir “Tábanos” en el bello espacio de Hasta Trilce. En este disco, que mezcla nostalgia y exploración, estos músicos entrerrianos le cantan al río, al amor y a la raíz profunda de su tierra, invitándonos a un encuentro en donde las aguas del litoral y el canto popular se vuelven una sola corriente. Existen músicas que parecen venir de lejos y, sin embargo, cada nota nos roza con una cercanía tan íntima que casi sentimos la brisa del paisaje que evocan. “Tábanos”, el último trabajo de Damián Lemes y Tati Grandolio, es una de esas músicas. Una travesía en nueve temas por el litoral más hondo, una obra que no solo nos hace escuchar la fuerza del río Paraná, sino que nos inunda con su persistente calma y su poética cautivadora. Con un enfoque fresco y contemporáneo, este disco da una vuelta de tuerca a ese litoral que siempre se mueve entre lo conocido y lo sorpresivo, como el vuelo de un tábano sobre el agua quieta. La propuesta que ambos artistas presentarán en Hasta Trilce se distancia de la simple interpretación de la tradición litoraleña. Algo más que resonará este jueves 7 de noviembre, algo que tiene que ver con la manera en la que Lemes y Grandolio han entendido y reimaginado la identidad de su tierra. En cada acorde del acordeón de Tati y en cada frase de Damián, vibra una conversación entre el paisaje y el ser humano, una complicidad con el tiempo que parece lento pero implacable en el río. Tati Grandolio, músico, arreglador y acordeonista de gran sensibilidad, ha encontrado en Damián Lemes, intérprete y compositor de alma profunda, un cómplice ideal para este viaje sonoro. Su arte se combina en una delicada armonía, construida sobre una instrumentación cuidadosa, donde la voz de Lemes y el acordeón de Grandolio dialogan y se entrelazan con guitarras, percusión y contrabajo. Esta vez, contarán también con invitados especiales que sumarán su impronta única: el querido Chango Spasiuk, quien presta su acordeón en el primer sencillo del disco, “Solo para mí”, donde los universos de Spasiuk y de Lemes-Grandolio confluyen en un tema que destila nostalgia y belleza en cada acorde. Lemes y Grandolio no solo son músicos que interpretan el río; lo traen en la sangre y lo cantan como quien susurra secretos antiguos. Es este vínculo entre el ser y el paisaje lo que permite que «Tábanos» sea una propuesta tan sólida y emocionalmente envolvente. Lemes, de Gualeguaychú, y Grandolio, de Victoria, conocen cada rincón de esa región litoraleña y, en cada una de sus canciones, reflejan una visión única de su identidad. Como expresó el gran Ramón Ayala sobre Damián: “El buen escucha va a enjoyar su alma con sus obras”. Y es que, en este proyecto, las letras, los arreglos, la ejecución y el sentimiento se conjugan para darnos una joya que vibra entre la poesía y la nostalgia. Cada tema de “Tábanos” es una postal sonora que nos invita a detenernos, a escuchar con pausa, a dejarnos llevar por el susurro de las aguas. En “Acuarela del río”, por ejemplo, la voz de Damián se eleva entre guitarras y percusiones para pintar con dulzura y melancolía un paisaje ribereño que habla de una geografía espiritual. Otros temas, como “Alma guaraní” y “El boyero”, nos acercan a la esencia misma de la cultura litoraleña, rescatando ese sonido tan característico del acordeón y las guitarras, y nos llevan a la magia de los amaneceres y atardeceres junto al Paraná. El disco fue grabado y editado en Itakuá, un estudio que respira el mismo aire entrerriano que inspira la obra de estos músicos. Esta conexión con la tierra, con el lugar de origen, es parte fundamental del proyecto. Allí, entre los matices y ecos de guitarras, percusiones y acordes de acordeón, cada tema se fue moldeando para capturar esa sonoridad íntima y envolvente que es tan propia de “Tábanos”. La mezcla y el mastering en Santa Fe a cargo de Ramón Merlo aportan el toque final, dando cuerpo a una obra que suena tan auténtica como acogedora. Con una lista de temas que abarca composiciones propias y versiones de clásicos, la música de «Tábanos» emerge de la tradición litoraleña, pero también se anima a experimentar, a buscar nuevas formas de expresión. Este jueves 7 de noviembre, “Tábanos” de Lemes y Grandolio nos invita a dejarnos llevar por el río, por los paisajes, por las historias que susurran en cada canción. Porque, como la mirada tornasolada de un tábano al sol, este disco nos muestra que la belleza y el misterio están en cada rincón de nuestra tierra, esperando a ser descubiertos.

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Festival «Los Años Luz Córdoba» trae a Buenos Aires un colectivo musical con fuerte arraigo folclórico, territorial e identitario.

Por Ale Simonazzi La Tangente se convierte en un punto de encuentro para aquellos que buscan sumergirse en la vibrante escena de la música popular cordobesa. Artistas como José Luis Aguirre, Mery Murúa, Paola Bernal, Vivi Pozzebón, Juan Iñaki y Jenny Náger, figuras de raíz y sello propio, traen a Buenos Aires la fuerza de sus sonidos y una energía que los une y representa, en la que, además de música, habrá un pedazo de historia, identidad y comunidad cordobesa. La actual escena musical cordobesa está poblada de artistas que, desde la diversidad, forjan identidad renovando sus raíces sin perder el pulso de lo esencial. En ese tejido de ritmos, voces y paisajes emerge el Festival Los Años Luz Córdoba, que este sábado 9 de noviembre reunirá en La Tangente a seis músicos de distintas partes de esa provincia, trayendo a Buenos Aires un aire fresco y profundo de lo que allí se vive y se crea. La propuesta del sello Los Años Luz no es sólo mostrar a estos músicos como solistas destacados; es también abrir la puerta a un proyecto colectivo en el que la música se convierte en un punto de unión. Este festival será una oportunidad para de descubrir esa familia artística que comparte no sólo escenarios, sino una red de colaboración y de apoyo mutuo que enriquece sus creaciones y que, como bien lo señala el propio sello, constituye una verdadera comunidad. La creación del subsello Los Años Luz Córdoba responde a esa necesidad de articular una identidad particular que, desde Córdoba, empieza a proyectarse al país y al mundo. Un viaje por las voces de Córdoba José Luis Aguirre trae consigo la experiencia de una vida dedicada a la música y la poesía popular, en las que captura tanto la belleza como las dificultades del interior cordobés. Nacido en Villa Dolores, sus letras cuentan historias de la vida cotidiana, los valores de la gente y los paisajes que rodean a su pueblo. Con un tono cercano y una voz que sabe transmitir el peso de las palabras, La profundidad y sensibilidad de su obra hacen que sus canciones no sólo se escuchen, sino que se vivan como una narrativa de la realidad que representa. Mery Murúa, nacida en Cruz del Eje, trae su propia interpretación de la canción popular, conectando el folklore con otras influencias sin perder su esencia. Su voz, que se adapta a distintos estilos sin perder autenticidad, ha ganado reconocimiento y premios, siendo uno de los nombres destacados en la música cordobesa de hoy. Su música es también un viaje por el cancionero nacional, en el que resuenan ecos de las raíces de nuestro país en una armonía constante entre lo tradicional y lo actual. Vivi Pozzebón. Con una energía arrolladora, Vivi trae consigo no sólo la voz y la percusión, sino una concepción de la música como herramienta de celebración y resistencia. Es referente de la percusión en Argentina, llevando al tambor la historia y el presente, con un espíritu de comunión que busca la igualdad y el respeto. Su música, que combina ritmos afro y latinoamericanos, se vive como un ritual en el que cada golpe y cada nota representan la fuerza de las mujeres y de las disidencias en una afirmación constante de identidad. Paola Bernal, desde Cosquín, aporta una voz poderosa y un estilo que une lo ancestral con lo contemporáneo, Bernal lleva a su música la conexión con la tierra y la tradición folclórica. En su obra dialogan el canto, el bombo, la danza y el folklore en una mezcla que se convierte en una expresión genuina de su propia búsqueda de identidad. Paola Bernal nos recuerda que la música folclórica sigue viva y en movimiento, y que, a través de ella, los paisajes de su provincia nos llegan llenos de color, sonidos y emociones. Juan Iñaki, llega con una propuesta en la que lo popular y lo académico se cruzan y se fusionan en una obra original y cautivadora. Su versatilidad vocal y su capacidad interpretativa hacen de sus presentaciones una experiencia que conecta al público con el folklore, explorando tanto las raíces como las nuevas posibilidades que el género ofrece. Iñaki representa a esa generación que, respetando lo anterior, también se atreve a innovar y experimentar. Finalmente, Jenny Náger cierra esta lista de artistas con su propuesta en la que la canción de autor se encuentra con influencias de la música brasileña, el jazz, el pop y el folklore. Con una voz delicada y a la vez poderosa, Jenny invita a su público a un viaje sonoro en el que las barreras de género musical se difuminan, permitiendo que cada canción sea una experiencia única y sorprendente. Una celebración de la identidad y la comunidad El Festival Los Años Luz Córdoba no es solo un evento, es una oportunidad de descubrir una comunidad musical en su forma más auténtica, en la que el trabajo colectivo juega un papel central. En esta noche porteña, cada uno de estos artistas traerá a Buenos Aires no solo su música, sino también la historia, los valores y la esencia de su tierra. La Tangente se convertirá en un espacio de encuentro, un lugar donde la música cordobesa podrá resonar y conectarse con nuevos oídos y nuevos corazones. Como bien lo definen desde el sello, la creación de Los Años Luz Córdoba fue algo natural, el resultado de una serie de encuentros, colaboraciones y de un compromiso compartido por llevar la música popular de Córdoba al resto del país. Para quienes ya conocen a estos artistas, el festival será una oportunidad de verlos juntos en una sola noche, mientras que, para aquellos que los descubren por primera vez, será una experiencia inolvidable, un momento de conexión y de encuentro con una provincia que, a través de su música, se nos muestra con toda su fuerza y su diversidad. Este 9 de noviembre, en La Tangente, la música cordobesa iluminará Buenos Aires.

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Soy una Tarada: Diez años en el espejo de las canciones

Por Ale Simonazzi Hace una década, Soy una Tarada se presentaba con esas maravillosas historias escritas por Lucho Guedes. Acompañé este proyecto en el proceso de grabación y prestando voz a los textos introductorios de cada canción que, si bien no son parte del disco, lo fueron en cada una de las presentaciones, incluída la inolvidable noche en la Ballena del CCK. Hoy, diez años después, el disco no solo resuena por su originalidad, sino por la profunda conexión que aún establece con quienes lo escuchamos. Este aniversario lo celebramos con un recital íntimo y emotivo en el Club Social y Deportivo Mitre de Quilmes, volviendo a afirmar lo importante del encuentro en torno a la música, la palabra y la amistad. La primera vez que escuché una de las canciones de Soy una Tarada, supe que estaba frente a algo único. Quizás fue porque cada historia se desplegaba con vida propia o porque Lucho Guedes, con su voz narrativa, lograba que el dolor y la alegría, la soledad y la esperanza se percibieran tan reales como si fueran nuestras. Recuerdo los momentos de grabación, el compromiso de cada uno de los músicos, las charlas con Lucho y Alan Plachta, responsable de los arreglos y la dirección musical. Soy una Tarada es un disco doble, una obra en la que el tiempo parece detenerse. Desde los primeros compases, Lucho logra hacernos cruzar una puerta hacia una realidad donde las canciones trascienden los límites del formato. Lo notable de esta obra es que nada se queda en la superficie: un electricista melancólico se convierte en protagonista de un drama sutil, una jubilada espera, en silencio, reencontrarse con su amado fallecido. Lucho eligió una variedad de personajes, de voces y de historias que, aunque ajenas, se sienten tan próximas que rozan el límite de la propia piel. Con cada canción, él nos ofrece una historia humana y, sin esfuerzo aparente, nos invita a vernos en ese espejo empañado por emociones que, tarde o temprano, todos hemos experimentado. Para contar estas historias, Guedes convocó a una serie de intérpretes que hicieron suyos estos personajes. Las canciones dejaron de ser “solo canciones” para transformarse en piezas casi teatrales, donde la polifonía de voces dio vida a cada uno de esos relatos. Cantantes como Liliana Herrero, Soledad Villamil, Lidia Borda, Jorge Fandermole, Juan Quintero, Edgardo Cardozo, Brian Chambouleyron, Nadia Larcher, María de los Ángeles Ledesma y Lorena Rizzo aportaron, cada uno, su interpretación única y profunda, acercándonos más a las emociones y los conflictos de los personajes. Para Lucho, este disco fue mucho más que una colección de temas: fue un proyecto literario, teatral y musical que necesitaba la profundidad que él imaginaba para cada relato. “El disco es una conjunción de un montón de cosas combinadas, pero lo que está en primer plano es el relato. Quería generar texturas, espacios sonoros, para que el relato se desarrolle sin distracciones”, afirmó Guedes hace una década. La apuesta era riesgosa, y no sería una obra para cualquier público. En cada presentación, la complicidad del oyente —ese “pacto ficcional” que Lucho busca— se convierte en el eje que sostiene la experiencia. Hoy, a diez años de la edición de Soy una tarada, recuerdo momentos intensos, charlas y vinos compartidos en el estudio Fort junto a Pablo López Ruíz y en el estudio El Bolsón con Martín Telechansky. Cada una de las sesiones de grabación con los músicos invitados es un recuerdo atesorado. Soy una Tarada ha resistido la prueba del tiempo, se mantiene auténtico, fiel a sí mismo. El público que se acerca al encuentro de los personajes e historias que propone Guedes, lo hace con una devoción sincera y renovada. En la reciente celebración de este décimo aniversario en el Club Social y Deportivo Mitre de Quilmes, ese pacto entre intérprete y oyente volvió a ocurrir. Tuve la alegría de volver a leer los textos introductorios de las canciones, reecontrarme con El Pope, Mi Negra o El Rafa y, fundamentalmente, con el amigo Guedes celebrando la amistad. Y en esa pequeña sala, en ese hermoso club de barrio, volvieron a contarse y cantarse las historias… Y el tiempo pareció detenerse una vez más.

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Rojo y Negro en el CAFF: El regreso del Club Artístico Libertad, un colectivo que canta y resiste.

Luego de una pausa, el Club Artístico Libertad volvió a los escenarios con «Rojo y Negro», su vibrante y comprometido espectáculo sobre el cancionero republicano de la Guerra Civil Española. En charla con Revuelto, Charly Sculli, bajista de esta agrupación que conjuga música, visuales y un mensaje de resistencia, nos revela el poder actual de este repertorio y la apuesta renovada por nuevas canciones propias que dialogan con la historia y el presente. El Club Artístico Libertad (CAL), es una agrupación que, con más de una década de historia, ha logrado que el cancionero republicano de la Guerra Civil Española encuentre un eco en la Argentina del siglo XXI. La banda está formada por 20 personas, entre músicos, técnicos y artistas visuales, que, en un formato cooperativo, traen al presente canciones que cuentan historias de luchas pasadas, mientras invitan a pensar en las resistencias actuales. “Para nosotros, no hay nostalgia en esto, sino una alegría rebelde”, cuenta Charly Sculli, bajista del grupo. La génesis de un club que canta con historia«El CAL surge en el año 2009, dice Sculli, después de la disolución de 2 bandas que teníamos entre miembros cruzados de la formación del club, hicimos una convocatoria para encarar este nuevo proyecto, que se fue dando casi de manera natural con la idea de formar un colectivo artístico que conglomere múltiples disciplinas artísticas. Presentamos una serie de canciones propias y algunas versiones de esas viejas canciones de la guerra civil. Demian Casaubon, nuestro cantante las traía en ese momento porque eran canciones que le cantaba su abuela Fe cuando era pequeño. Nos dimos cuenta de que comenzar a trabajar ese cancionero tenía un significado político, artístico y social que encajaba con nosotros y armamos el proyecto de “Rojo y Negro, Canciones republicanas de la guerra civil española” y con el pasar de los meses, enfocamos la investigación en estas canciones, les dimos contexto histórico, en los shows,previo a cada una, narramos una pequeña introducción de las mismas, rescatando las melodíasoriginales pero buscando una idea sonora más contemporánea de aquellas canciones de trinchera adaptadas a un formato que alcanza a veces hasta 15 músicos en escena.» Desde sus primeros shows, el CAL no solo ofreció música. “Nuestro espectáculo incluye proyecciones y grabaciones de archivo de la época. Es casi una experiencia inmersiva”, explica Sculli. Las imágenes y grabaciones acompañan las canciones y le dan al espectáculo una profundidad particular. No es solo un concierto: es una especie de homenaje a la resistencia y, a la vez, un acto de resistencia en sí mismo. En 2019, el grupo decidió tomarse un descanso, tras una década de trabajo continuo. “Llegó un momento en que sentimos que necesitábamos una pausa”, admite el bajista. Fue una especie de descanso voluntario que, sin embargo, les permitió repensarse y regresar renovados. Ahora, en 2024, el grupo vuelve con la madurez que les ha dado el tiempo y la experiencia. “Nos dimos cuenta de que queríamos más. Teníamos la necesidad de ampliar nuestro repertorio y de hablar no solo de aquel pasado, sino también del presente. Por eso decidimos incluir canciones propias, con las que reflejamos el contexto político que estamos viviendo”, cuenta. En este regreso, el público podrá escuchar algunas composiciones nuevas que mantienen el espíritu de lucha y resistencia, pero que miran hacia el futuro. “El público que viene a nuestros conciertos es muy diverso. Hay personas mayores, que tal vez tienen una conexión más cercana con la Guerra Civil Española, y también hay jóvenes que encuentran en nuestras canciones un mensaje que les resuena en el presente. Para nosotros, el arte es una herramienta de lucha, y sentimos la responsabilidad de ofrecer un espacio donde la gente pueda expresarse y sentirse acompañada”. Con este enfoque, el CAL busca que cada presentación sea un espacio de comunidad. “La música es una forma de gritar lo que uno siente, y hoy en día hay muchas cosas por las que gritar”, reflexiona Charly Sculli. Sus palabras reflejan la esencia del grupo: un colectivo comprometido con su mensaje y con su público, que se ha convertido en una especie de refugio para quienes buscan resistir desde el arte. La puesta en escena como una experiencia total“Integrar lo visual con la música es fundamental para nosotros. Contamos con un equipo de artistas visuales que entiende el mensaje que queremos transmitir y trabaja en sincronía con nosotros” Cada canción es una historia, y las proyecciones ayudan a contarla. En el espectáculo, se ven imágenes históricas, y también ilustraciones y animaciones creadas especialmente para el show. Esto no solo enriquece la experiencia, sino que le da una dimensión más profunda al mensaje. Desde su primera presentación en la Biblioteca Nacional en 2009, el CAL ha recorrido un largo camino. Han tocado en lugares emblemáticos, como el Centro Cultural Caras y Caretas, el Centro Cultural de la Cooperación y el Teatro Payró, y han participado en eventos conmemorativos como el Día Nacional del Exiliado Español. Además, la música del grupo ha sido parte de bandas sonoras y obras de teatro, lo que demuestra la versatilidad y el alcance de su proyecto. “Estamos en constante evolución”, asegura Charly Sculli. “Cada vez que nos subimos al escenario, sentimos que es una oportunidad para conectar con el público y para seguir creciendo como colectivo”. Esta dinámica de grupo es parte de lo que hace al CAL tan especial. El formato cooperativo permite que cada miembro participe según su disponibilidad y sus intereses, lo que genera una especie de “caos ordenado” que mantiene viva la energía del proyecto. La actualidad del cancionero republicanoCuando le preguntamos sobre la vigencia de las canciones republicanas en la actualidad, Charly responde que “es impresionante cómo estos temas siguen resonando. A veces, escucho una canción y pienso que podría haber sido escrita hoy. La lucha por la justicia, la libertad y la dignidad es algo que trasciende el tiempo”. En este sentido, el CAL no solo revive canciones antiguas, sino que las resignifica para un público contemporáneo. Al preguntar

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